Siamo lieti di invitarvi all'inaugurazione della mostra dedicata a Ezio Fantin, artista di spicco nel panorama contemporaneo, che ci condurrà in un affascinante viaggio attraverso un linguaggio visivo ricco di simbolismo e profondità.

La mostra presenta in particolare il ciclo "Le Esondazioni", un viaggio introspettivo tra vita e morte, fluidità e solidità, apparenza ed essenza, che invita alla riflessione e all’esplorazione delle profondità dell’anima e si arricchisce con l’ultima produzione più materica dell'artista, un universo caleidoscopico di colore, materiali e forme che si intrecciano in un vortice di suggestioni

Vi aspettiamo per condividere insieme questa ricca esperienza artistica e culturale.

Inaugurazione: 7 Giugno 2025, ore 18:30

Seguirà rinfresco-Ingresso Gratuito

Location: Queenartstudio Gallery, 35100 Padova

Riviera Tito Livio 31

Orari di visita :La mostra resterà aperta al pubblico

dal 7 al 29 Giugno 2025 dal martedì al sabato ore 16/20.00

RSVP: Per confermare la tua presenza, contattaci al 3346447738 su WHATSAAP o scrivici all'email queenartstudiopadova@gmail.com

Ti aspettiamo !

Biografia dell'Artista

Ezio Fantin nato a Vicenza, si è diplomato  all’istituto D’arte a Nove di Bassano Laureato in lettere moderne con specializzazione in Storia dell’arte ha ottenuto vari riconoscimenti tra i quali una targa d’argento dalla rivista “Arte” della Mondadori ed associati, un premio dalla Sony Designer Center e un attestato di Merito artistico da parte della Pinacoteca Nazionale del Lussemburgo.

Nella lunga carriera ha intrapreso varie ricerche pittoriche confermando la sua estrema sensibilità però sempre fuori dalle tendenze.

Le esondazioni sono per me il frutto di uno studio ormai trentennale

Le esondazioni sono un ciclo pittorico, una ricerca personale ormai più che trentennale che vertesu simbologie per opposizioni da me definita IPOMETAFISICA.

Curriculum dell'Artista 

Titoli di studio

* Diploma di Maturità d’arte Applicata alla ceramica.

* Laurea in Lettere Moderne, Università degli Studi di Padova. Titolo della tesi: “La ceramica di Gio’ Ponti e il dibattito sulle arti applicate in Italia nel periodo fra le due guerre (1918-1935)”

 Attività espositive

*Marostica (VI), Castello Inferiore: “Scacchi, studi e proposte realizzati in ceramica”, collettiva organizzata dagli studenti dell’istituto d’arte G. De Fabris di Nove, dicembre 1981

*Longare (VI), collettiva di artisti locali, giugno 1986

*Milano, Casa D’aste Finarte, “Esposizione delle opere premiate dalla rivista “Arte” a cura della Giorgio Mondadori ed Associati, settembre 1992

*Costozza di Longare (VI), Villa Trento Carli, personale antologica, giugno 1993

*Longare (VI), collettiva di artisti del basso vicentino, settembre 2001

*Ponte di Barbarano (VI), “Paesaggio e storia tra Colli Berici ed Euganei”, mostra di pittura, 18-22 luglio 2003

*Quinto Vicentino (VI), Villa Thiene, “Le stanze delle idee”, collettiva, dicembre 2004

*Cittadella (PD), Antica chiesa di Santa Maria del Torresino, “Forma e colore”, 5/19 febbraio 2005

*Valaurie, Francia, “XXIIème Biennale Internationale du Tricastrin”, 30 avril/29 mai 2005

*Costozza di Longare (VI), V edizione “Primavera in Arte”, Villa Thiene, 14/15 maggio 2005

*Vicenza, Piazza Dei Signori, Sottoportico della Basilica Palladiana, collettiva “Terre Venete in Arte”, 2/17 luglio 2005

*Costozza di Longare (VI), VI edizione “Primavera in Arte”, Villa Thiene, 2/3 giugno 2006

*Thiene (VI), Chiesa di Santa Maria Maddalena, “I colori dell’arte”, collettiva, 1/16 luglio 2006

*Limena (PD), Oratorio delle Barchesse, “L’arte è Vita”, collettiva, 2/17 settembre 2006

*Vicenza, Piazza Dei Signori, Sottoportico della Basilica Palladiana, collettiva “Affinità e Contrasti”, 28 settembre /8 ottobre 2006

*Torri di Quartesolo (VI), Il Gallery,  “Personale opere dal 2004 al 2007” , 1 novembre 2006 / 15 febbraio 2007

*Valaurie, Francia, “XXIIIème Biennale Internationale du Tricastrin”, 28 avril/28 mai 2007

*Costozza di Longare (VI), VII edizione “Primavera in Arte”, Villa Thiene, giugno 2007

*Torri di Arcugnano (VI), Kreativa, collettiva, 16 giugno/ 1 luglio 2007

*Valaurie, Francia, “Les Valauripailles”, 27 julliet 2007

*Grisignano del Zocco, collettiva, 7/13 settembre 2007

*Abano Terme, , “Le Terme dell’arte, collettiva 20/21 ottobre 2007”

*Limena (PD), Oratorio delle Barchesse, “Luci ed ombre.”, collettiva, 28 ottobre /15 novembre 2007

*Malo (VI), Palazzo Corielli, “Trame di luci e colori”, collettiva , 8/23 dicembre 2007

*Ponte di Barbarano, Barchessa Villa Rigon, collettiva di Terre Venete, 24/25 maggio 2008

*Costozza di Longare (VI), VII edizione “Primavera in Arte”, Villa Thiene, giugno 2008

*Comune di Camisano Vicentino, Intorno a Palladio”, collettiva, 7 dicembre/6 gennaio 2009

*Valaurie, Francia, “XXIVème Biennale Internationale du Tricastrin”, 25 avril/25 mai 2009

*Lumignano di Longare, chiesa di San Maiolo, “Paesaggio berico tra idea e realtà”, personale, 15/25 maggio 2009.

*Marostica (VI), Castello Inferiore: “Radici profonde”, collettiva organizzata da Terre Venete, 17ottobre/1 novembre 2009.

*Vicenza, palazzo Valmarana-Braga, selezione nazionale di artisti contemporanei ispirati all’arte rinascimentale, Vicenza, 6-28 marzo 2010.

*Costozza di Longare (VI), IX edizione “Immersione nell’arte”, Villa Thiene, 15/16 maggio 2010

*Marostica (VI), Chiesa di San Marco: “Pittura, scultura, fotografia”, collettiva organizzata da Terre Venete, 4/19 settembre 2010.

*Longare (VI) Manifestazioni Dantesche, “Arte, musica e teatro”, settembre 2021

*Vicenza, gennaio 2022, Passamilsale “Esondazioni”, personale di pittura.

* Ferrara Artexpo: “Premio Isabella D’este” internazionale d’arte contemporanea, 29/30 ottobre 2021

Premi e segnalazioni:

*”Premio Arte 1992”, premiato con targa d’argento, Giorgio Mondadori ed Associati, settembre 1992

*”Disegna una Cassetta Sony”, Premiato dal Designer Center di Tokio, concorso indetto a cura della Sony Italiana, Milano 1993

*Concorso fotografico “Le Piramidi”, secondo classificato, Torri di Quartesolo (VI) 1993

*Concorso “Europa Unita”, opera segnalata,  a cura della Gavino Usai Editore, Cagliari 1995

*”Premio Arte 2002”, finalista, Giorgio Mondadori ed Associati, settembre 2002

*”Intorno a Palladio, arte ed artisti per i 500 anni dalla nascita dell’architetto”, primo premio sezione pittura, Camisano Vicentino, 7 dicembre 2008

*”Il premio di Afrodite” - concorso nazionale di arte contemporanea, finalista, palazzo Valmarana Braga, Vicenza, 6-28 marzo 2010.

*”Segnalato artista emergente premio Sgarbi/ Elisabetta D’este, Ferrara, ottobre 2021.

*Luxembourg Art Prize 2024. Pinacoteca di Monaco, “Certificato di merito artistico” per le qualità riconosciute nell’ambito della rassegna internazionale d’arte.

Articoli e recensioni:

Hanno recensito l’opera pittorica periodici e quotidiani quali:

“Arte”, “Realtà Vicentina”, “Il Gazzettino”, “Il Basso Vicentino”, “Il Giornale di Vicenza”, “La voce dei Berici”, “La Nuova Vicenza”, “La Domenica Di Vicenza”, “La Tribune”, “La Provence”, “Le Dauphine Libere”, “La Drome Magazine”, “Pittura Bazart”.

Collaborazioni:

Ho collaborato per vari anni con l’Istituto Patronato Leone XIII di Vicenza insegnando disegno geometrico, disegno ornato e storia dell’arte ai corsi biennali di restauro.

Organizzo e conduco corsi di pittura, disegno e storia dell’arte per associazioni private e pubbliche: Pro Loco di Longare (VI), Biblioteca di Camisano Vicentino (VI), Il borgo delle Arti di Veggiano (PD), L’Associazione Artisti di Caldogno (VI). Sviluppo progetti didattici (disegno e comprensione dell’opera d’arte) con la Scuola Elementare di Costozza.

Siamo lieti di invitarvi ad intraprendere un viaggio singolare nel mondo dell'arte

Ti aspettiamo ad un evento esclusivo : una serata dedicata all'estro creativo dell'artista Maria Grazia Zohar Di Kastenegg!

Preparati a lasciarti avvolgere da un'esperienza sensoriale unica, dove la realtà virtuale si fonde con la scultura digitale, creando una poesia visiva che parla direttamente all'anima.

Maria Grazia Zohar e Maria Grazia Todaro Art Director ,che presenterà l'Artista ,vi guideranno attraverso il suo universo artistico, raccontando il processo creativo che anima le sue opere e invitandovi a esplorare le infinite possibilità della grafica e della stampa 3D.

Questa serata  sarà un'opportunità per incontrare appassionati d'arte, scambiare idee e lasciarti ispirare da un'atmosfera di convivialità e innovazione.

Ogni opera esposta sarà un invito a riflettere, a sognare e a connettersi con la propria creatività.

La vostra presenza sarà gradita per rendere questa serata indimenticabile.Unisciti a noi e lasciati trasportare dalla magia dell'arte!

Data Apertura mostra: 7 DICEMBRE 2024 ore 17.30

Seguirà un rinfresco-Ingresso Gratuito
 

Location: Queenartstudio Gallery, 35100 Padova Riviera Tito Livio 31

Orari di visita :Fino al 7 GENNAIO 2025 dal martedì al sabato ore 15.30/20.00

RSVP: Per confermare la tua presenza, contattaci al 3346447738 su WHATSAAP o scrivici all'email queenartstudiopadova@gmail.com

Ti aspettiamo !

Note Critiche sull'Artista

L'illustrazione digitale di Maria Grazia Zohar di Karstenegg è un vero capolavoro che mescola abilmente diverse forme d'arte, creando un universo unico e affascinante.

Attraverso la sua creatività e maestria nell'uso del colore e della tecnologia analogica, l'artista riesce a trasportare lo spettatore in mondi fantastici e surreali, dove l'immaginazione non ha limiti.

Le sue opere spaziano all’interno della realtà virtuale, passando per la scultura digitale come poesia visiva, fino alla grafica e alla progettazione e stampa 3D, dimostrando una versatilità e un talento straordinari.

Grazie alla sua sensibilità artistica e alla sua cura per i dettagli, ogni sua creazione è un'esplosione di emozioni e bellezza.

Maria Grazia è in grado di catturare l'essenza di ogni soggetto che rappresenta, trasmettendo sentimenti profondi e coinvolgenti.

Le sue opere sono un invito a riflettere sulla complessità e il fascino del mondo che ci circonda, portando il pubblico a esplorare nuove prospettive e a lasciarsi trasportare in un viaggio artistico senza tempo.

Spesso costruisce scenografie situazionali decostruendo e riassemblando pratiche spirituali correlate da diverse culture, unendo performance improvvisate di attori all'interno di narrazioni immaginarie e stimolando racconti illuminanti dalla zona intermedia tra il tangibile e l'intangibile.

L’Arte di Maria Grazia rappresenta un punto di svolta nell'arte contemporanea, mostrando il potenziale illimitato della tecnologia e della umana.

La ricerca condotta è estremamente innovativa e interessante, poiché si concentra su temi profondi e complessi come il metodo scientifico empirico e le dinamiche comportamentali legate alla musica e al suono in relazione al linguaggio.

La tensione tra oggettivo e soggettivo, tra unicità degli eventi e teoria generale, aggiunge profondità e complessità alla ricerca, rendendola estremamente stimolante e coinvolgente.

Questa varietà di prospettive porta a esiti diversi e affascinanti, arricchendo ulteriormente il lavoro dell'artista e offrendo al pubblico una concezione ricca e articolata delle sue ricerche.

Inoltre, l'originalità e lo spessore dei temi affrontati e la capacità della MG Zohar di esplorarli in maniera approfondita e creativa dimostrano una grande competenza e sensibilità artistica.

La sua ricerca rappresenta un importante contributo all'ambito artistico e culturale contemporaneo, offrendo al pubblico un nuovo quadro neurotico e coinvolgente dell'arte

Attraverso la sua ricerca e la sua esplorazione, l'artista non solo ci porta alla scoperta di nuovi mondi e tradizioni, ma ci invita anche a riflettere sulla nostra connessione con esse.

L'approccio filosofico e transumanista dell'artista aggiunge un ulteriore livello di profondità e complessità al suo lavoro, facendoci riflettere su temi universali come l'identità, la memoria e la tradizione.

La sua interpretazione dei manufatti culturali e degli elementi del patrimonio esoterico e spirituale quanto della natura è tanto accurata quanto emozionante, trasmettendo non solo la bellezza estetica di questi argomenti, ma anche la loro importanza storica e culturale.

In definitiva, l'arte dell'artista è una vera e propria celebrazione della diversità e della ricchezza culturale del nostro mondo, invitandoci a riconsiderare il nostro rapporto con la visione delle cose e a guardare alla realtà così trasformata con occhi nuovi.

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico di QueenArtStudio Gallery

Maggio 2024

Biografia

Sei Invitato all'Inaugurazione della Mostra di Paolo Fontana!

Ti aspettiamo per l'inaugurazione della mostra del Maestro Paolo Fontana, il rinomato artista pittore, decoratore e incisore,che si terrà il 9 novembre 2024 presso gli esclusivi spazi di Queenartstudio Gallery a Padova.

IImmergiti in un incantevole universo di colori e forme, dove la vivace creatività dei paesaggi luminosi di Fontana si materializza nelle sue opere straordinarie. Avrai l'opportunità di esplorare il percorso artistico di un maestro che ha saputo fondere tradizione e innovazione, esprimendosi attraverso le sue tele e incisioni. Un viaggio che ti porterà a scoprire non solo la sua arte, ma anche l’anima di un artista capace di raccontare storie profonde e coinvolgenti

Dettagli dell'Evento: 

Data Apertura mostra: 9 Novembre 2024
Orario: 18:00
Location: Queenartstudio Gallery, 35100 Padova Riviera Tito Livio 31

Orari di visita :Fino al 7 dicembre 2024 dal martedì al sabato ore 15.30/20.00

Prepara i tuoi sensi per un'esperienza artistica unica!

Ti aspettano un rinfresco, e la possibilità di incontrare l’artista stesso. 

RSVP: Per confermare la tua presenza, contattaci al 3346447738 su WHATSAAP o scrivici all'email queenartstudiopadova@gmail.com

Unisciti a noi per festeggiare l'arte, la bellezza e la creatività!

Ti aspettiamo Con entusiasmo

Il Team di Queenartstudio Gallery

Paolo Fontana

un nome che risuona nella tradizione artistica bergamasca, è nato nel 1960 a Bergamo,

una città conosciuta non solo per la sua storia millenaria ma anche per il fervente panorama culturale e artistico. 
Fin dai suoi primi anni di vita, l’influenza dei colori e delle formeha giocato un ruolo cruciale nel definire la sua identità. 
Cresciuto in un ambiente dove l’estetica e la creatività erano presenti, Fontana ha trascorso un'infanzia di "pasticci" colorati, un'esperienza che ha gettato le basi per il suo futuro percorso nella decorazione e nelle arti visive.

A soli 15 anni, Fontana intraprende un cammino lavorativo che lo porterà a diventare 
un maestro nell'arte della decorazione. Inizia a lavorare con un decoratore esperto che, 
per sette anni, diventa il suo mentore.

Questa fase della sua vita è cruciale: attraverso l'apprendimento  diretto e l'osservazione di tecniche tradizionali e innovative, Fontana si forma  professionalmente in un modo che solo la pratica diretta può offrire. 

Le sue competenze si ampliano, spaziando dalla decorazione a parete agli affreschi,
 dai dipinti alla doratura, fino al recupero e al restauro di opere d'arte, acquisendo così una visione globale e integrata dell'arte decorativa.

Arrivato a un crocevia della sua vita, Paolo decide di lanciarsi nel mondo come 
libero professionista, iscrivendosi all’Albo come Decoratore Artistico.

Quest’azione segna  un passo fondamentale verso l’autonomia creativa.

Con un bagaglio di esperienze e tecniche ormai consolidate, inizia a lavorare

in proprio, replicando e amplificando il lavoro del suo ex datore di lavoro.

La sua attività non si limita a eseguire lavori commissionati:
 Fontana riesce a infondere in ogni progetto un’energia unica, un amore e una passione 
che traspaiono da ogni pennellata.La sua arte non è solo una questione di estetica,
 ma un vero e proprio veicolo di emozioni.

Ogni affresco realizzato, ogni decorazione di un appartamento, ogni restauro di un’opera antica porta con sé la volontà di trasmettere un messaggio profondo.

La capacità di Fontana di "divulgare amore ed emozioni" attraverso "l’Arte del Colore" rappresenta la sua vera essenza artistica.

Il suo approccio è quello di un artigiano contemporaneo che prende a cuore la storia e il valore delle cose, rendendo omaggio al patrimonio culturale e artistico del suo territorio.

Raggiunta l'età di 57 anni, Paolo si trova in un momento di transizione.

Ufficialmente  in pensione, la sua passione per la decorazione e l'arte è talmente intensa  che decide di continuare a lavorare.

Questa scelta, evidenzia quanto  l’arte e la creatività siano radicate nella sua vita. Per Fontana,  non è un segno di fine, ma un’opportunità per esplorare nuovi orizzonti artistici, dedicandosi finalmente a un’espressione personale più libera e autentica.

Nel corso di questa nuova fase,l’Artista si dedica alla pittura su tela  e sperimenta nuove tecniche, lavorando su facciate, pavimenti in resina e creando opere che riflettono la sua evoluzione artistica nel tempo.

Qui si racchiude la sua vera essenza: la capacità di trasformare suggestioni e vibrazioni interiori in opere d’arte tangibili.

 Con il pennello in mano, riesce a dare forma a sogni e visioni, svelando 
una dimensione emotiva che supera i confini del semplice atto decorativo.

Oggi,  Paolo Fontana vive a Mozzanica, un luogo che, pur nella sua apparente tranquillità, è fertile terreno per la sua creatività.

La sua vita è un continuo divenire, animata dalla curiosità e dalla voglia di scoprire cosa il futuro ha in serbo per lui.

Nonostante il passare del tempo e le sfide che ha affrontato, Fontana mantien

e viva  la fiamma della sua passione, un esempio luminoso di come l'arte possa essere un compagno fedele e un motore di crescita personale, capace di sognare 
e di progettare ogni giorno nuovi orizzonti.

A CURA DI

Cari amici e amanti dell'arte,

Siamo lieti di invitarvi a un evento imperdibile: l'apertura della mostra dedicata a LORIS MARCHIORO, un artista di straordinario talento che saprà incantarvi con le sue opere uniche.

Preparatevi a lasciarvi trasportare dalla bellezza della natura, che Loris riesce a catturare attraverso le sue rappresentazioni di onde e mare. Le onde, simbolo di movimento e ciclicità, evocano riflessioni sulla nostra esistenza, mentre il mare ci invita a esplorare profondità nuove e meravigliose.

Non perdete l'opportunità di incontrare l'Artista il 12 Ottobre alle ore 18 con una cerimonia di apertura in compagnia della bellezza artistica e di un delizioso aperitivo, per rendere la serata ancora più speciale.

La mostra rimarrà aperta fino al 7 novembre 2024, dal martedì al sabato, dalle 15:30 alle 20:00

L'ingresso è libero, per permettere a tutti di immergersi in questo viaggio artistico.

Vi aspettiamo con entusiasmo, pronti a condividere un'esperienza che stimolerà il cuore e la mente!

Il team di QueenArtStudio

A CURA DI

Loris Marchioro,

nato a Vicenza nel 1950, ha costruito nel corso della sua carriera artistica una tela ricca di significati e di una bellezza commovente, dedicandosi attivamente alla sua passione per l’arte fin dalla partecipazione a mostre collettive nazionali e internazionali dal 1972.

Oggi le sue opere sono parte integrante del catalogo nazionale «Pittori e pittura contemporanea», celebrare testimonianza del suo percorso unico e personale, che lo ha portato a vivere e lavorare nella sua Vicenza.

L'arte di Marchioro è frutto di una pratica autodidatta e di un avvicinamento intimo e génuino al mondo dell’arte, un mondo che ha esplorato anzitutto attraverso pagine e immagini.

Cresciuto circondato da volumi ricolmi di opere d'arte, ha trascorso la sua giovinezza non nei consueti contesti culturali come scuole o convegni, ma in una legatoria, una delle più grandi d'Europa. Qui, tra tonnellate di carta stampata, ha assorbito, ritagliato e incollato non solo fogli, ma anche ispirazione e visioni artistiche. Sono le immagini che ha avuto modo di contemplare nel suo lavoro che hanno nutrito il suo immaginario, stimolando la sua innata creatività.

Non avendo maestri in senso tradizionale, Marchioro ha costruito il suo linguaggio artistico attraverso l'osservazione e l'interpretazione di ciò che lo circondava, un processo che lo ha condotto verso una forma di surrealismo personale e affascinante.

Le opere esposte in galleria rivelano una decantazione culturale maturata nel tempo, cinte di una profonda indagine sulla realtà e sul paesaggio che lo circonda.

L'arte di Marchioro è un viaggio continuo, oltre la mera riproduzione della realtà, in cui l'artista cerca di esprimere e rivelare l'essenza mutevole dell'esperienza umana.

Gli scenari che crea sono una fusione di reale e immaginario, invitando lo spettatore a una contemplazione profonda e a una riflessione sul significato più ampio della nostra esistenza.

Un elemento distintivo della sua opera è l'assenza di figure umane e di realizzazioni antropiche. Questa scelta non fa altro che enfatizzare la grandiosità della natura una natura che si presenta come infinita e silente, un territorio ideale verso l'infinito. Una natura sconfinata nelle onde che rappresenta.Le onde che con il loro incessante movimento e la loro eterna ciclicità, rappresentano un simbolo potente e profondo della condizione esistenziale dell'essere umano.

Esse evocano il ritmo della vita, un'oscillazione continua tra momenti di calma e di tempesta, di gioia e di dolore. Ogni onda che si infrange sulla riva può essere vista come un’analogia delle esperienze quotidiane: alcune sono dolci e delicate, altre violente e tumultuose.In questo contesto, Le onde parlano di transitorietà:come la schiuma che si dissolve in un istante, così anche i nostri momenti di felicità possono sembrare evanescenti. Ogni cresta e ogni valle rappresentano le emozioni e le sfide che affrontiamo, invitandoci a riflettere sul nostro posto nel mondo. Le onde sono anche un simbolo di connessione.

Non si rompono mai in solitudine; ogni ondata è parte di un mare vasto e interconnesso. Questa interconnessione riflette la nostra stessa esistenza: le nostre vite, intrecciate con quelle degli altri, creano una sinfonia di esperienze e ci ricordano che, nonostante le nostre differenze, siamo tutti parte di un ecosistema più grande.

Ci invitano a riflettere sulle nostre aspirazioni, sui nostri timori, sul nostro viaggio. Esse ci insegnano a fluire con la vita, a riconoscere la bellezza nella transitorietà e a trovare significato nella connessione con gli altri e con noi stessi.

Con una lucidità ineguagliabile, Marchioro riesce a fissare su tela la complessità e la bellezza della vita, trasmettendo al pubblico emozioni rarefatte che risuonano nel profondo. Le opere di Marchioro sono un’ode alla bellezza e alla complessità dell'esistenza.

Un artista che, attraverso il suo percorso personale e originale, ha saputo donare a tutti noi un'arte che è prima di tutto una ricerca del senso, un viaggio nel mistero della vita.

M.G.Todaro Padova Ottobre 2024

ESPOSIZIONE NEL CENTRO DI ARTE INTERNAZIONALE QUEENARTSTUDIO GALLERY

 Gentile Artista

La invitiamo ad esporre le sue opere nella nostra elegante Galleria d'Arte, su due grandi livelli, nel cuore della città di Padova vicino ai monumenti più importanti, alle piazze e al cospicuo passaggio di gente !

La nostra galleria è la sede ideale per eventi artistici, specializzata in mostre d'arte contemporanea, ed è anche presente in prestigiose fiere mondiali.
Nei nostri spazi esponiamo una selezione di importanti Artisti Professionisti Internazionali, organizza mostre collettive e personali con enfasi su tutte le espressioni Artistiche, che riflettono la diversità dei media all'interno dell'arte visiva classica e contemporanea.

Al piano terra ci  sono anche due ambienti   tutti neri per installazioni luminose
E' possibile utilizzare la sala conferenze con l'uso di un proiettore e schermo e sedie per eventuali presentazioni e premi

Ci sarà la Gallerista o una Assistente ,presente per ogni giorno dell'esposizione Per tutti gli aperitivi e le bevande o i vini in apertura

possiamo fornirti vari preventivi 

Può anche scegliere una presentazione critica della mostra della Dott.ssa Maria Grazia Todaro Critico e Art Director della QueenArtStudio Gallery .

Altri servizi che possono essere concordati sono la distribuzione di materiale promozionale, articoli su giornali, eventuali assicurazioni delle opere, cataloghi, creazione grafica e stampa di poster ecc ....
Un grande monitor nella finestra della galleria per un possibile videocatalogo  per mostrare tutte le opere in mostra.


Saremo lieti di fornirti il supporto necessario per qualsiasi dubbio o domanda

Gentili amici e appassionati d'arte,

Siamo lieti di invitarvi all'inaugurazione della mostra di Ajd Rassell Gallo, un artista straordinario che saprà incantarci con i suoi universi visionari e le sue armonie cosmiche misteriose. L'evento INAUGURALE si terrà il 28 aprile 2024 alle ore 18 presso la nostra Galleria  QueenArtStudio a Padova

Le opere di Gallo offrono un'esperienza emotiva intensa, portando lo spettatore a confrontarsi con momenti di tensione e ombre fugaci, ma anche a scoprire spazi di serenità e dolcezza. La sua arte è caratterizzata da una profonda passione e sincerità, trasmettendo un messaggio di amore attraverso le sue creazioni.

Vi invitiamo a esplorare il mondo straordinario dell'artista Gallo e ad immergervi nella sua visione unica e illuminante. Siamo certi che la sua esposizione vi lascerà senza fiato e vi porterà a riflettere sui temi più profondi dell'esistenza umana.

Non mancate all'appuntamento con l'arte di Pino Gallo, vi aspettiamo numerosi per celebrare insieme la bellezza e la complessità dell'essere umano.

PORTE APERTE per il momento inaugurale il 28 Aprile alle ore 18 presso la Galleria QueenArtStudio di Padova in Riviera Tito Livio 31.

Seguirà Aperitivo Artistico

L’esposizione si potrà visitare fino al 19 Maggio 2024 dal martedì al sabato h. 15.30-20,00

Ingresso libero

Presentazione dell'Artista

Pino Gallo si distingue per la sua capacità di creare universi visionari attraverso la sua arte, dove i colori vivaci e luminosi si mescolano in armonie cosmiche misteriose. Le sue opere offrono un'esperienza emotiva intensa, portando lo spettatore a confrontarci con momenti di tensione e ombre fugaci, ma anche a scoprire spazi di serenità e dolcezza, dove le forme si fondono in un equilibrio perfetto.

La sua arte è caratterizzata da una profonda passione e sincerità, segno di un talento eccezionale che si impegna con determinazione nella sua vocazione artistica. Gallo si dedica costantemente all'esplorazione dell'ignoto e cerca di trasmettere un messaggio di amore attraverso le sue opere, che si presentano come manifestazioni affascinanti della sua immaginazione e chiarezza di pensiero.

Nelle creazioni di Gallo, la luce interiore si manifesta attraverso forme trasparenti e cristalline, svelando una profonda connessione con l'essenza stessa dell'essere. La sua arte va oltre la semplice registrazione delle percezioni sensoriali, per offrire una riflessione profonda sull'esistenza umana, trasformando il pensiero in narrazione e dipinto in specchio dell'anima.

L'arte di Gallo richiede impegno, passione e totale dedizione, ma il suo approccio visionario e illuminante ci invita a esplorare i confini del nostro universo interiore, al fine di scoprire la bellezza e la complessità dell'esistenza umana.

La ricerca pittorica e plastica di Ajd Rassell Gallo sembra essere guidata da una profonda spiritualità che permea la sua opera. La sua consapevolezza della dimensione dell'inconscio come una dimensione estatica piuttosto che estetica suggerisce una profonda connessione con il divino e con l'essenza stessa dell'essere umano.

La sua fede nell'unità di immanenza e trascendenza, piuttosto che nell'approccio psicanalitico all'introspezione, indica una visione del mondo che va al di là della superficie delle cose e si rivolge alle profondità dell'anima e della coscienza umana.

La bellezza che trasmette attraverso le sue opere è descritta come "inafferrabile", suggerendo che si tratti di una bellezza che non può essere pienamente compresa o razionalizzata, ma che tocca le corde più profonde dell'essere umano.

La sua abilità nell'arte della pittura è evidenziata dalla sua capacità di manipolare la forma in modo creativo e versatile, coinvolgendo non solo le mani, ma anche gli occhi e la mente. Questo suggerisce un approccio artistico completo e coinvolgente che esige un coinvolgimento totale da parte dello spettatore.

La sua sintassi artistica, caratterizzata da un'essenza classica arricchita da un dialogo interiore colto, porta a una scrittura limpida e ad una rappresentazione del vero interpretato in chiave "metanamorfica". Questo suggerisce che le sue opere vanno al di là della mera rappresentazione del reale e si spingono verso una dimensione più profonda e simbolica.

Infine, la capacità dell'artista di suscitare un leggero turbamento attraverso il suo messaggio poetico indica un'affascinante complessità e profondità nelle sue opere, che vanno al di là della semplice contemplazione estetica e spingono lo spettatore a riflettere su temi più profondi e universali.

Maria Grazia Todaro Art Director QueenArtStudio Aprile 2024

L'esposizione "Orizzonti d'arte" è un'opportunità unica per immergersi nel mondo della creatività e della pittura attraverso gli occhi di due Artiste di lunga carriera e grande talento. Le Opere esposte offrono una prospettiva unica e affascinante sul mondo dell'arte sia classica che contemporanea, spaziando tra stili e tecniche diverse.

Gli artisti sono spesso considerati delle menti creative e sensibili, in grado di cogliere e trasmettere le emozioni umane attraverso le proprie opere. Giuliana Griselli e Maria Pia Mucci due Artiste triestine,sono due esempi di come l'arte possa essere un mezzo per esplorare il mondo e comunicare con gli altri in modo profondo e significativo.

La pittura di Giuliana si distingue per la sua delicatezza e raffinatezza, con colori morbidi e forme sinuose che trasmettono una sensazione di armonia e serenità. Le sue opere sono un invito alla contemplazione e alla riflessione, invitando il pubblico a immergersi in un mondo di bellezza e poesia della natura.

Le Opere di Maria Pia , al contrario, sono audaci, in grado di catturare l'attenzione del pubblico con la loro originalità e creatività. Le sue Opere spesso giocano con le forme e i materiali, sfidando le convenzioni e stimolando la nostra mente a pensare in modo diverso.

Entrambe, tuttavia, pur essendo diverse nel loro stile e tecnica artistica, condividono una predilezione per il colore blu.. sembrano essere attratte dalla varietà di sfumature e tonalità che il blu può offrire, creando opere che celebrano un senso di contemplazione.

Nonostante le differenze nel loro approccio artistico, il blu funge da filo conduttore comune creando una connessione visiva e emotiva che trasmette un senso di armonia e bellezza attraverso l'uso di questo potente colore.

Questa mostra offre un'opportunità unica per apprezzare la diversità e la ricchezza dell'arte attraverso gli sguardi unici e originali di due straordinarie artiste.

Vi invitiamo quindi a conoscere più da vicino le opere di Giuliana Griselli e Maria Pia Mucci lasciandovi trasportare dalle emozioni che esse riescono a suscitare e godendo di un'esperienza artistica indimenticabile.

Non perdete l'occasione di scoprire l'universo artistico di queste due talentuose creatrici e di lasciarvi ispirare dalle loro opere che si aprono a nuovi orizzonti di bellezza e creatività.

Vi aspettiamo numerosi per celebrare insieme l'arte e l'estro di queste due straordinarie artiste durante

il momento inaugurale il 6 Aprile alle ore 17.30 presso la Galleria QueenArtStudio di Padova in Riviera Tito Livio 31.

Seguirà Aperitivo Artistico

L’esposizione si potrà visitare fino al 27 Aprile 2024 dal martedì al sabato h. 15.30-20,00

Ingresso libero

Giuliana Griselli

Giuliana Griselli, artista triestina formatasi a Venezia prima frequentando il Liceo artistico e successivamente presso la facoltà di Architettura, ha saputo rielaborare, conferendo la propria impronta, gli insegnamenti di Nino Perizi che l'hanno edotta all'arte figurativa ancora adolescente.

Altre significative esperienze formative hanno contributo a rendere Giuliana l'artista affermata e completa di oggi come quella presso la bottega di Ottone Griselli, allievo dello stimato Parin e membro dell'Accademia Tiberiana  e della Legion d'Oro di Roma. La pregnanza di questi percorsi è stata tale da partecipare alla scelta di diventare essa stessa insegnante di storia dell'arte e disegno per oltre un trentennio, curando e coltivando i delicati semi della sensibilità artistica che ha saputo impiantare nelle menti dei suoi allievi.

Già dagli anni 60 la sua carriera è stata arricchita da note esposizioni internazionali e mostre personali alle quali ha portato la sua essenza concretizzata nelle sue opere e r ricevendone in cambio approvazione e successo di critica, un esempio fra molti è il ripetuto conseguimento del premio Marco Aurelio.

Due percorsi costituiscono la sua produzione, essi differiscono nella proposizione del soggetto trattato, ma ad un secondo livello di analisi interpretativa scorgiamo un intento comune di rappresentare una realtà che da soggettiva si proietta all'esterno alienandosi sulla tela in un moto di condivisione con il pubblico che attraverso lo sguardo la convalida e legittima.

I suoi carboncini che si muovono all'interno dei confini del suo supporto materiale così come l'incorporea incisività della tecnica mista diventano generatori di ritratti di corpi anatomicamente fedeli, ma carichi di tensione emotiva ed espressività e i paesaggi ,scorci di un ambiente naturale che assume connotazioni culturali e personali alla mente di chi lo osserva. Il suo paesaggio, la sua spiaggia, il suo molo diventano quello dell'osservatore che di fronte al tremolio emotivo suscitato apre la strada alla propria personale ermeneutica proiettata nell'opera.

Così la sponda del fiume come il vaso di fiori diventano messaggeri di pace interiore per chi osserva ed invitano lo spettatore a lasciarsi prendere per mano dall'artista che lo saprà guidare come un benevolo Virgilio tra le vie dell'intima memoria trasformandola in luogo d'incontro e reciproco scambio.

Maria Pia Mucci

Nel corso degli anni della sua attività professionale di biologa, oltre all'interesse per la scienza, ha sempre cercato di seguire anche la passione per l'arte e la grafica.

Si è quindi avvicinata allo studio delle tecniche incisorie (acquaforte, acquatinta, puntasecca, xilografia), che continua ad utilizzare anche oggi, perché è particolarmente affascinata dalle varie modalità di stampa e perché ha iniziato proprio con questi metodi il suo percorso artistico, esprimendo nei suoi primi lavori la nostalgia per il paesaggio toscano. Utilizza talvolta anche la tecnica del monotipo, che le piace per la sua intrinseca spontaneità.

Le sono sempre interessate come soggetto le "Città", che nel mondo contemporaneo sono diventate il centro delle attività umane e lo specchio dell'evoluzione sociale e ha continuato a andare alla ricerca di un modello di Città più umana, prendendo spunto dalla città di Pienza (Siena), la "Città Ideale" del Rinascimento, progettata e costruita dall'architetto Rossellino per Papa Pio II Piccolomini e città d'origine della sua famiglia.

Vivendo da tanti anni a Trieste, porta d'Oriente, ha scoperto anche il fascino del mondo che va dai Balcani fino ai paesi dell'Estremo Oriente, regioni raccontate nel 1300 da Marco Polo nel suo libro "Il Milione" con lo storico viaggio lungo la Via della Seta, un itinerario che proprio ai nostri giorni sta riacquistando notevole importanza, con Trieste ed il suo porto situati in posizione strategica.

Da questi interessi è nata l'idea di illustrare "Le Città invisibili" di I. Calvino, il bellissimo romanzo in cui il protagonista Marco Polo, incaricato dal Grande Imperatore d'Oriente, descrive le città incontrate nel suo viaggio ai confini dell'Impero e in cui la fantasia multiforme e senza limiti dello scrittore fa volare l'immaginazione. Questo libro l'ha spinta a creare delle opere che rappresentano città molto diverse l'una dall'altra, sia per il soggetto, che per la tecnica impiegata (acrilico, olio acquarello, puntasecca, collage, tecnica mista) dando spazio alle memorie, ai sogni e alle ricerche che costituiscono il suo percorso artistico.

L'artista Maria Pia Mucci nelle sue opere ci dà uno sguardo trasversale su mondi utopici creati dalla sua multiforme fantasia. I suoi sono paesaggi dell'anima, immaginati e interiorizzati, e poi trasferiti nello spazio pittorico da una mano consapevole e dotata di approfondite cognizioni tecniche. Una modalità espressiva che diventa così interessante cifra stilistica, elaborando composizioni di taglio surreale.(P.Levi)

A CURA DI

Olga Tkatchenko: Il Mondo Animato della sua Arte"

Invito agli amanti dell'arte e degli universi incantati

Se vi piace immergervi nel colorato e meraviglioso mondo dei personaggi di Walt Disney e del magico universo dei fumetti vi presentiamo una mostra unica nel suo genere, che vi permetterà di vivere un'esperienza artistica straordinaria.

Siamo lieti di invitarvi a visitare la mostra "Olga: Il Mondo Animato della sua Arte", dove l'artista Olga Tkatchenko un’Artista Nata a Pietroburgo, che vive in Italia da molti anni, ha trasformato la fantasia in meravigliose Opere d’arte attraverso la sua magnifica tecnica ad olio e l'uso di elementi scintillanti come foglia d'oro, perline e strass e collage.

Le opere di Olga catturano l'essenza dei nostri personaggi preferiti di Walt Disney, portandoli letteralmente in vita con la sua geniale abilità artistica. Dalle principesse Disney ai simpatici animaletti parlanti, ogni immagine è intrisa di colore, emozione e magia.

Questi personaggi sono amati da milioni di persone in tutto il mondo e sono stati parte integrante della vita di molte generazioni. Rivederli attraverso gli occhi e lo stile unico di Olga dà loro nuova vita e una nuova prospettiva artistica.

Ma la magia non si ferma qui. Olga ci delizia anche con il suo tributo al mondo dei fumetti, trasformando i supereroi e gli antieroi dei fumetti in veri e propri capolavori.

Grazie alla sua padronanza degli elementi decorativi ogni personaggio sembra saltare fuori dalle pagine dei fumetti.

Attraverso il suo lavoro, Olga riesce a catturare l'immaginazione e a portare i suoi spettatori in un mondo vivace e eccentrico. Le sue opere sono piene di colori vividi e forme giocose, che danno vita a personaggi fantastici e a scenari surreali.

Ciò che colpisce di più dell'arte di Olga è la sua capacità di comunicare piacevoli emozioni attraverso immagini apparentemente semplici. Ogni suo dipinto ha una storia da raccontare e si avverte un senso di gioia e di positività anche solo osservando le sue opere.

Questa mostra esclusiva è un'opportunità unica per incontrare Olga, una delle più promettenti artiste contemporanee, e ammirare da vicino il suo strabiliante talento. Dopo il successo ottenuto in varie Expo e Fiera Mondiali, non perdete l'occasione di lasciarvi trasportare in un universo fantastico e di emozionarvi davanti a queste opere d'arte uniche.

Vi aspettiamo presso la Galleria d'Arte QueenArtStudio dal 10 Dicembre 2023 al 24 Gennaio 2024 a Padova e all’Inaugurazione il 10 Dicembre alle ore 17.30 per conoscere L’Artista e le sue Opere e per un brindisi inaugurale.

Maria Grazia Todaro Art Director Queen Art Studio Gallery Centro Espositivo di Arte Internazionale Riviera Tito Livio 31-35100 Padova

www.queenartstudio.it  queenartstudiopadova@gmail.com

tel +39 3346447738

Notes of Art of Gregg Simpson

Gregg Simpson, un nome che risuona nell'arte contemporanea canadese, è senza dubbio un artista completo che ha dedicato un lungo periodo di ricerca e sperimentazione alla sua espressione artistica.

La sua versatilità si manifesta attraverso la sua abilità innata di esprimersi in vari campi artistici e musicali, rendendo la sua opera una testimonianza dell'animo eclettico che lo pervade.

Fin dalla sua prima opera d'arte, ho potuto intuire l'essenza della sua creatività che ha il dono di trasformare elementi familiari in qualcosa di nuovo e sorprendente, offrendo al pubblico una prospettiva unica e coinvolgente.

La sua capacità di esplorare e spingersi oltre i confini convenzionali dell'arte è evidente in ogni suo lavoro.

Simpson riesce a creare un mondo fantastico e surreale che fa riflettere lo spettatore. I suoi dipinti e disegni sono pieni di simbolismo e di un senso profondo di mistero, il che li rende intriganti e affascinanti da osservare.

Ogni opera di Gregg Simpson è una narrazione visiva complessa e coinvolgente. Le sue opere spesso evocano sentimenti e emozioni che trasmettono messaggi sottili ma intensi attraverso l'uso sapiente del colore, della forma e della composizione.

Il suo approccio all'arte è una forma di comunicazione, un ponte che connette l'artista al pubblico.

Inoltre, la sua abilità nell'arte musicale è una prova della sua ecletticità e della sua capacità di spaziare tra le diverse discipline artistiche. La sua musica in arte è una combinazione di suoni astratti e melodie coinvolgenti, che si fondono in un'esperienza unica e suggestiva.

È indubbiamente un artista molto talentuoso e rispettato dalla critica. La sua carriera è stata caratterizzata da numerose esposizioni in tutto il mondo, dimostrando la sua vasta e variata produzione artistica.

In particolare, le sue opere sono state esposte in mostre storiche e indagini sul surrealismo e sull'astrazione. Questo dimostra il suo coinvolgimento profondo e il suo interesse per questi movimenti artistici, che sono considerati innovativi e rivoluzionari nel mondo dell'arte.

La sua dedizione all'arte è evidente nelle numerose mostre ed esposizioni che ha allestito in diversi contesti internazionali e la sua capacità di inserirsi in queste mostre storiche evidenzia la sua influenza e la sua posizione di rilievo come artista nel panorama artistico contemporaneo.

La carriera di Gregg Simpson è stata caratterizzata da un costante desiderio di crescita e scoperta.

La sua vasta esposizione dei suoi dipinti, disegni e opere su carta in diversi continenti dimostra la sua versatilità e la sua capacità di raggiungere un pubblico globale.

Una cosa che mi ha colpito particolarmente è il fatto che il lavoro di Simpson sia incluso in diversi studi accademici, libri e riviste di storia dell'arte in tutto il mondo.

Questo è una testimonianza dell'importanza e dell'influenza del suo lavoro nella comunità artistica.

Gregg Simpson è sicuramente un artista eccezionale che merita l'attenzione e il riconoscimento della critica.

L'esposizione  che durerà 15 giorni fino al 9 dicembre 2023

(h 16-20) verrà inaugurata il 25 Novembre 2023 alle ore 18 con Illustrazione delle Opere dell Artista che sarà  all'Inaugurazione e Aperitivo Artistico

Entrata Libera

https://www.queenartstudio.it/esposizioni-personali/

English

Gregg Simpson, a name that resonates in Canadian contemporary art, is undoubtedly a complete artist who has dedicated a long period of research and experimentation to his artistic expression.

His versatility is manifested through his innate ability to express himself in various artistic and musical fields, making his work a testimony to the eclectic spirit that pervades him.

From his first artwork, I could sense the essence of his creativity, which has the gift of transforming familiar elements into something new and surprising, offering the audience a unique and engaging perspective. His ability to explore and push beyond the conventional boundaries of art is evident in every work of his.

Simpson manages to create a fantastical and surreal world that makes the viewer reflect. His paintings and drawings are full of symbolism and a profound sense of mystery, making them intriguing and captivating to observe.

Each work by Gregg Simpson is a complex and engaging visual narrative. His works often evoke feelings and emotions that convey subtle yet intense messages through the expert use of color, shape, and composition.

His approach to art is a form of communication, a bridge that connects the artist to the audience. Furthermore, his skill in music art is proof of his versatility and ability to span across different artistic disciplines. His music in art is a combination of abstract sounds and engaging melodies that blend into a unique and evocative experience.

He is undoubtedly a highly talented and respected artist by critics. His career has been characterized by numerous exhibitions worldwide, demonstrating his vast and varied artistic production.

In particular, his works have been exhibited in historical exhibits and investigations into surrealism and abstraction. This demonstrates his deep involvement and interest in these artistic movements, which are considered innovative and revolutionary in the art world.

His dedication to art is evident in the numerous exhibitions he has held in various international contexts and his ability to be included in these historical exhibits highlights his influence and prominent position as an artist in the contemporary art scene.

Gregg Simpson's career has been characterized by a constant desire for growth and discovery. His extensive exhibition of his paintings, drawings, and works on paper on different continents demonstrates his versatility and ability to reach a global audience.

One thing that particularly struck me is the fact that Simpson's work is included in various academic studies, books, and art history magazines worldwide. This is a testament to the importance and influence of his work in the artistic community.

Gregg Simpson is definitely an exceptional artist who deserves the attention and recognition of critics.

The exhibition which will last 15 days until 9 December 2023

(4-8pm) will be inaugurated on November 25, 2023 at 6pm with illustration of the works of the artist who will be at the inauguration and artistic aperitif

Free Entrance

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico di QueenArtStudio Gallery

Novembre 2023

https://www.queenartstudio.it/esposizioni-personali/

Queen Art Studio Gallery

International Art Exhibition Center

Riviera Tito Livio 31-35100 Padua

www.queenartstudio.it

queenartstudiopadova@gmail.com

tel +39 3346447738

La mostra personale dell’Artista Alberto Volpin, è organizzata da QueenArtStudio Gallery in Riviera Tito Livio 75 nel cuore della città di Padova 

L'esposizione che è  in permanenza da dicembre 2020 vedrà il suo momento inaugurale /finale sabato 23 Ottobre 2021 alle ore 18 e resterà in visione presso i nostri spazi per altri 15 giorni conclusivi.

La presentazione delle Opere e dell'Artista è su Prenotazione, mente le Opere potranno essere apprezzate da vicino con un ingresso successivo contingentato e controllato di cira 4 persone per volta ,la stessa sera subito dopo la presentazione e nei giorni successivi previsti

CI SI PUÒ PRENOTARE ATTRAVERSO IL MODULO  PRESENTE IN QUESTA PAGINA

L'INGRESSO ALLA PRESENTAZIONE SARÀ POSSIBILE FINO AD ESAURIMENTO POSTI DIPONIBILI DISTANZIATI

È OBBLIGATORIO L'USO DELLA MASCHERINA E GREEN PASS O TAMPONE NEGATIVO.

La mostra è un  omaggio a Padova e a Venezia, città in cui Volpin ha sviluppato il senso della storia, dell'arte e del bello, che sono parte integrante della sua pittura coinvolgente

In esposizione una serie di dipinti di grande dimensione con affascinanti scorci cittadini.

Fumetti e supereroi per lasciarsi alle spalle un momento difficile. L’emergenza Covid-19 ha messo a dura prova tutti e tutto, dall’economia al turismo, dalla scuola alle famiglie, fino alla cultura in ogni sua forma. Alberto Volpin è un artista eccezionale che con i suoi supereroi contribuisce a farci credere che con la forza e la volontà di tutti possiamo sconfiggere il male ed affrontare il brutto periodo di cui purtroppo siamo testimoni. Possiamo essere eroi, anche solo per un giorno, come gli eroi di Alberto Volpin, che calano ancora una volta a Padova, con una nuova mostra che celebra l'originale vena pop art della sua arte.

Ma soprattutto c’è la qualità delle opere da lui create ormai da anni per il proprio mondo professionale e che risultano con tutta evidenza di alto livello artistico … è un poeta utopista, un predicatore dell’avventura umana eternamente in viaggio tra sogno e realtà. In lui l’energia fa rima con sintonia e tutto quello che sembra impossibile diventa visibile come un gioco speciale che finisce sempre bene. Con lui i pennelli e colori ballano la danza misteriosa della vita ed non possiamo far altro che inchinarci alla sua genialità con ammirazione.

Nella quotidianità delle architetture questi personaggi con la loro presenza animano il dipinto creando diversi punti di osservazione, sembrando tangibili e nell’intento di fuoriuscire dall’opera stessa, ma pur presentandosi in tutta la loro potenza fantastica, sono in atteggiamento pensoso, assorto o comunque hanno un aspetto che non è tipico dei valorosi personaggi dei fumetti, ma dell’uomo.

L’artista infatti attinge dal mondo fantastico, ma attraverso la sua pittura fa sì che quelle immagini prendano corpo per farsi carico di significati profondamente umani.

Visibile ed invisibile, normalità e superpoteri, si fondono, come la pittura sulla tela; le figure hanno un aspetto maestoso e occupano lo spazio in un contesto in cui reale e irreale si equivalgono.
I dipinti in cui è rappresentata Padova prendono spunto da famose opere artistiche della città che sono descritte fedelmente: Caffè Pedrocchi, Torre dell’Orologio, Basilica del Santo, Osservatorio della Specola, statua del Gattamelata. I Super Eroi sono colti in atteggiamento di protezione alla città o ironicamente come nel caso di Batman, che appare rilassato con un bicchiere di spritz in mano, o di Capitan America, che aspetta che i suoi abiti da super eroe stesi si asciughino. E poi ancora una stregata Venezia notturna, dall’aria incantata che fa da ponte tra il visibile e l’invisibile,

…fantastici combattenti ci conducono nel passato della nostra infanzia, cosicché da recuperare il fanciullino che è in noi, indispensabile per avere brama di sognare, di entusiasmi, nella speranza di un mondo migliore.

Anche in queste opere l’artista dipinge, in modo preciso e dettagliato, le opere architettoniche, ma l’attenzione è attratta dai muscolosi e potenti personaggi fantastici che spiccano in un piacevole contrasto tra fantasia e realtà che sorprende e affascina. Il suo target è trasversale : va dal pubblico adulto per I suoi rimandi storici, ai ragazzi che tanto apprezzano la sua fantasia..
 

BIOGRAFIA: Alberto Volpin nato a Padova il 09/05/1952. Art Director e graphic designer, ha saputo trovare nei comics, nel cinema e nelle storie del mondo, lo spunto per sciorinare il suo esuberante linguaggio pittorico,tra iperrealismo e decise connotazioni pop art

Alcune location delle sue opere: Venezia, l'affascinante città sospesa nell'acqua, l'antica porta tra occidente e oriente; Padova, la sua città, rtratta con amore, devozione e ironia; New York, nel doloroso 11 settembre; Kenya, culla dell'umanità, il più grande spettacolo della natura sulla terra; 

Molte sono state le sue mostre personali e collettive in Italia e all'estero: Venezia, Roma, Taormina, Padova, Capri, Spoleto, Palermo, Bologna, Napoli, Milano, New York, Londra, Montecarlo, Berlino Copenaghen ecc...

Informazioni Esposizione

Ingresso libero su appuntamento telefonico

in tutta sicurezza nel rispetto nelle norme anticovid

Gli appuntamenti per la visita potranno effettuarsi nei seguenti orari :

dal mart al sab ore 17-20.00

esclusi i giorni festivi 

A CURA DI

Maria Grazia Todaro Art Director

QueenArtStudio 

Gallery

Centro Espositivo di Arte Internazionale

Riviera Tito  Livio 75 Padova

www.queenartstudio.it

 queenartstudiopadova@gmail.com

tel +39 3346447738

'EMOTIONAL DIFFUSION'

RASSEGNA DI PITTURA

CONTINUA LA RASSEGNA DI ESPOSIZIONI PERSONALI IN QUEENARTSTUDIO GALLERY A PADOVA  QUESTA VOLTA CON OPERE ESCLUSIVAMENTE PITTORICHE DEGLI ARTISTI INTERNAZIONALI

PRZEMKO STACHOWSKI

LUISE GANDON 

MADLEN WROBEL

MADLEN WROBEL

Le Opere dell’Artista sono ispirate dai sogni e dalla musica (dark romantic, Rock, Metal e Gothic) Ed è davvero una grande storia, in cui entrare ed in cui immedesimarsi, in cui lasciarsi andare ai suoi misteri, ai suoi angoli gotici, ai suoi richiami folk senza tempo, alla sua carica fantastica, alla sua lirica, alla sua coralità, alla sua sacralità, alla sue delicate e ricercate divagazioni spaziali, ai suoi dosati e superbi affondi heavy ,al suo ammaliante onirismo. Mdlen presenta una selezione di opere, pezzi unici dipinti ad olio che traggono la loro suggestione da un’estetica post-romantica, con particolare attenzione all’espressionismo e al simbolismo, così come dalla psichedelia e dall’estetica manga, toccando ambiti quali il fumetto, la pop art, il cinema e soprattutto la musica rock. Ingredienti d’ispirazione artistica che si miscelano sapientemente grazie ai colori utilizzati dove la figura della donna, l’eterno femminino onnipresente nella cultura di inizi Novecento, è il centro del percorso espositivo la dea primordiale da cui tutto nasce. La memoria è un eco del passato, e come l’eco distorce l’immagine originale, riproducendola in maniera differente, così la memoria può distorcere il passato. La sua estetica può essere quindi ingannevole, e in questo senso può arrivare a trasformare la realtà attuale. I suoi dipinti sono piccoli obiettivi, stazioni nel labirinto dell'autoconoscenza, nascondono contenuti da scoprire, pensieri disponibili.. Le figure umane mostrate sono immagini curiose, sincere, stupite del "sé infantile". E gli spazi vuoti del dipinto sono una cornice nuda su cui l'osservatore può proiettare il suo percorso, il suo stato attuale, riempire il vuoto di contenuto, considerando i suoi valori e le sue decisioni. Esaminare se stesso (anche) attraverso le Opere di Madlen come parte del grande insieme e parti di se stesso nel suo insieme.

LUISE GANDON è un artista franco-austriaco. Attualmente vive e lavora a Vienna, dove è nata.

Dopo essere stata insegnante, si concentra sul ritratto e sulla pittura di nudo.

Ha partecipato a diversi seminari sull'argomento in Austria e in Germania Secondo i suoi temi, sceglie sia modelli viventi che foto e istantanee tratte da scene di film. È importante per lei creare ritratti espressivi, le espressioni facciali dei suoi protagonisti indicano la loro condizione e le scene rappresentate. Quindi, le sue immagini sembrano primi piani di film, senza conoscere alcuna trama. Questo modo di mostrare porta ansia nel suo lavoro perché risveglia la curiosità dell'osservatore.

Negli ultimi due anni ha esposto in quasi tutto il mondo e Padova con QueenArtStudio Gallery.

La sua arte si concentra principalmente sulle donne..

La figura della donna è sempre stata al centro del suo lavoro Luise prende ispirazione dal mondo del cinema e dello spettacolo, dalla natura e dall'universo, e la sua percezione del mondo si rispecchia nelle sue opere.

Usa le rappresentazioni degli attori per interpretare concetti narrativi e identità di sé nell'altro soggetto. Ritratti i cui soggetti provengono da una foto originale o scattata dallo stesso artista e alcuni segni visivi sulla personalità dell'individuo.

È una donna che dipinge donne nude, e come tale il suo lavoro rispecchia la sfida e la ricchezza di questa esperienza.

Luise invita lo spettatore a cogliere momenti puri di questi dipinti: una donna che si alza dal sonno o dalle acque ... giovani innamorati coinvolti in una conversazione intima e placida, donne a riposo che si confrontano silenziosamente.

PRZEMKO STACHOWSKI

Progetta e realizza mosaici in marmo e pitture murali per interni e facciate. E'il fondatore di Deco Arch , uno studio d'arte. Dopo anni di lavoro all'Accademia di Belle Arti, ha lavorato con pittura murale e da cavalletto su larga scala e intima, fotografia e mosaico murale, che ha imparato mentre era ancora borsista del CISIM (Centro Internazionale Studi Insegnamento Mosaico) a Ravenna.
DecoArch - uno studio d'arte è stato formalmente istituito nel dicembre 2011, ma la sua produzione consiste nei diversi anni di esperienza. La decisione di fondarlo è stata influenzata dalla necessità di fondere e arricchire molti anni di esperienza nel campo della progettazione e realizzazione di progetti di interni completi attraverso la collaborazione con architetti, interior designer e artisti che si occupano di marmo artistico e mosaici in vetro, pittura murale e da cavalletto, scultura e vetrate. Come risultato di tale collaborazione, vengono creati spazi architettonici unici e innovativi di uso pubblico e individuale per clienti e istituzioni con una consapevolezza ben sviluppata e una sensibilità estetica per il mondo che li circonda in cui devono vivere, lavorare e riposare.
Oggi, Deco Arch è una squadra.Le Opere sono un'espressione di un fascino per una forma che, in determinate condizioni, può essere trattata come una sorta di scrittura, un messaggio dal profondo , una lettera dal subconscio. C'è una palese ammirazione per la storia della scrittura nella storia dell'umanità. Le radici delle lettere e il modo in cui sono disegnate raccontano non solo il messaggio, ma anche molto sull'autore della lettera.

IL PERCORSO  ESPOSITIVO SARÀ ALL'INSEGNA DELL'EMOZIONE ESTETICA E LA SUA DIFFUSIONE ATTRAVERSO LE OPERE PITTORICHE  DEGLI ARTISTI IN MOSTRA : lo stato emotivo suscitato da un'opera d’arte, sia dall'artista che la realizza, sia dallo spettatore e si riferisce a un sentimento che si prova innanzi alla contemplazione della bellezza e dell’armonia che sono elementi solitamente peculiari di un’opera d’arte. L’arte costituisce un ambito particolarmente adatto per suscitare e creare emozioni, perché ha il merito di rendere più esplicite tutte le intuizioni umane, riuscendo a cogliere in modo più immediato la natura del fenomeno emotivo.

INAUGURAZIONE DOMENICA 11 OTTOBRE 18 CON INGRESSI CONTINGENTATI 

LA REGISTRAZIONE DELLA PRESENTAZIONE CON INTERPRETE VERRÀ PUBBLICATA SUL CANALE YOUTUBE DI QUEENARTSTUDIO E CONDIVISA SUL SITO www.queenartstudio.it 

E SUI VARI SOCIAL SU CUI SIAMO FORTEMENTE PRESENTI

L'ESPOSIZIONE POTRÀ ESSERE VISITATA GRATUITAMENTE E IN TUTTA SICUREZZA DAL MARTEDÌ AL SABATO DALLE ORE 17 ALLE ORE 20 IN RIVIERA TITO LIVIO 75 A PADOVA

                                                          A CURA DI

Maria Grazia Todaro Art Director

L'ARTE DELLA DELIZIA

Dal 7 al 21 febbraio arriva ad abbellire le pareti del Caffè Letterario Treccani un’altra donna artista Sabrina Garzelli con “L’arte della delizia".

L'esposizione è stata ricevuta in premio lo scorso giugno, grazie alla presenza del titolare del Caffè Letterario Treccani (via Umberto I n*2, propio di fronte alla nostra Galleria)all’interno della Commissione giudicatrice del concorso – patrocinato dal Comune e dalla Provincia di Padova – “Golden Prize 2019 International Contemporary Art Expo” tenutosi presso QueenArtStudio Gallery, dove l’artista espone in permanenza.

Sabrina Garzelli vive e lavora a Livorno. Laureata in Lingue e letterature straniere, si è formata artisticamente sotto la guida del padre, noto artista “iperrealista”. Ha partecipato a diverse manifestazioni artistiche, ottenendo consensi sia dalla critica che dal pubblico. Sabrina riprende il modo di dipingere che ha radici illustri nella pittura di tradizione fiamminga del rinascimento e poi nel 600 barocco a diffusione europea. Ha studiato per anni Pittura di interni e di oggetti. Lei si definisce “pittrice laboriosa e interprete dell’artificio che simula la realtà”.

Nella sua arte troviamo ceramiche bianche e rilucenti tazze da The, cibi dal sapore antico e genuino, vetri trasparenti di bicchieri a calice per i brindisi dei giorni di festa, vestiti dal gusto retrò e sottane di seta, i pizzi e i merletti candidi delle fini biancherie desiderose di essere mostrate. Il tutto assieme ad immagini di scarpette da danza classica rosse e bianche, tutù vaporosi e lunghe perle nei vecchi cassetti o bauli con richiami alla pittura classica, alle sculture ora del Canova , ora di Michelangelo…

Le sue opere si trovano in collezioni private in Europa e negli Stati Uniti, oltre che presso istituzioni pubbliche come l’Accademia Navale di Livorno e il comune di Castagneto Carducci.

L’esposizione dei quadri è curata da Maria Grazia Todaro, Critico d’arte e Direttore di QueenArtStudio Gallery che presenterà l’Artista nel salotto del Caffè Letterario Treccani il giorno dell’inaugurazione: il 7 febbraio 2020 alle ore 18:00.

Le opere della Garzelli rimarranno in esposizione all’interno del Caffè Letterario Treccani fino al 21 Febbraio prossimo.

INFO
Maria Grazia Todaro Art Director
QueenArtStudio Gallery
Centro Espositivo di Arte Internazionale
Riviera Tito Livio 75 Padova

www.queenartstudio.it
queenartstudiopadova@gmail.com
tel +39 3346447738
 

13-29 SETTEMBRE 2019

MOSTRA  PERSONALE

'ONIRICAMENTE'

DELL’ARTISTA BELGA 

RAPHAEL TIERENS ’RALTI’

INAUGURAZIONE VENERDì 13 SETTEMBRE 2019 ORE 18

PRESENTAZIONE CRITICA DI 
MARIA GRAZIA TODARO

L’ARTE ONIRICA DI RAPHAEL TIERENS

Raphael  Tierens nasce in Belgio dove tuttora vive ed opera.

Senza economia di studio, s’impegna a scoprire la tecnica dell’olio su tela creando opere di grande fantasia e astrattismo, per poi passare alla pittura surreale di grande ispirazione musicale e simbolica con citazioni e immagini prese dal passato.

Nonostante sia un pittore autodidatta, il risultato è da subito stupefacente e, di fatto, la sua partecipazione a numerose collettive raggiunge entusiastici consensi. Come scrisse André Breton, nel Manifeste du surréalisme  “Il surrealismo si fonda sull’idea di un grado di realtà superiore connesso a certe forme di associazione finora trascurate, sull’onnipotenza del sogno, sul gioco disinteressato del pensiero. Tende a liquidare definitivamente tutti gli altri meccanismi psichici e a sostituirsi ad essi nella risoluzione dei principali problemi della vita.”

Gran parte del suo lavoro evoca l'osservazione visiva, il commento, un significato nascosto. Produce un lavoro meticoloso e fluente.

La sua opera d'arte è l'estensione dei suoi processi di pensiero interiore e percezioni del mondo intorno a lui. Ha un forte desiderio di trasmettere la bellezza e la spiritualità del mondo naturale.

Dipinge principalmente con colori ad olio Usa colori tenui e movimenti energici, dipinge con passione e cura. Ogni pezzo è unico e parla da solo. 

L'argomento varia e di solito racconta una storia. 

Raphael continua ad esplorare e crescere con l'arte, rendendo il mondo, un posto migliore dove dipingere. Trae stimoli dalla bellezza della creazione di Dio nelle sue diverse forme ed espressioni.

Le sue ispirazioni sono varie: natura, animali, musica, manoscritti, bellezza, colore, alberi, sogni, spiritualità e storia dell'arte. 
Connesso e appassionato durante la creazione, raccoglie idee per nuove opere d'arte che raccontano la sua vita onirica.

Riciclando idee dalle opere d'arte passate, il suo dipinto diventa un altro progetto, aprendo le porte a una nuova creatività.

Sperimentando, esprime il suo amore per il colore e la passione per la pittura.

Natura e spiritualità sono parte della sua visione tanto quanto il suo amore per la forma umana.

Si può definire un viaggiatore interiore, che esplora il mondo inconscio misterioso ed veramente complesso. 

Nella vita reale e nella sua arte, non gli importa delle convenzioni e dei tabù, non ci sono Meme sacri che non possono essere toccati. I suoi dipinti sono meditazioni profonde piene di simboli sulla vita e sulle tendenze e reazioni più intime ... non necessariamente per creare qualcosa che piace alla maggior parte delle persone, ma per aprire una finestra su immagini impossibili da dimenticare.

Raphael oggi sa che il suo scopo primario è di riuscire a trasmettere le stesse emozioni che egli prova osservando quello che lo circonda ma trasfigurato dalla sua immaginazione, per questo riesce a lasciare un’impronta di se stesso nel tempo, continuando così ad appoggiare il pennello sulle sue tele con grande passione ed immensa dolcezza.

Maria Grazia Todaro Critico d’Arte e Gallerista -Settembre 2019

http://www.queenartstudio.it/pagine-d-artista/ralti-tierens-raphael/

LA MOSTRA SARA' VISITABILE DALMARTEDì AL SABATO DALLE ORE 17 ALLE ORE 20 E LA DOMENICA DALLE ORE 18 ALLE ORE 20

INGRESSO LIBERO

PER INFO  QUEENARTSTUDIOPADOVA@GMAIL.COM TEL 3346447738

PAOLO RONZANI-NEL CUORE DELLA MADRE TERRA

Pittore e scultore, si forma presso il Centro Maschere e Strutture Gestuali del Maestro Donato Sartori, dove inizia la sua ricerca come scultore. Affascinato dall’impronta lasciata dalle trame dei tessuti, inizialmente lavora con il gesso e le velature ad olio per arrivare in seguito alla ceramica Raku e agli spettacolari effetti degli ossidi e delle cristalline.

Il fuoco Raku è uno dei processi di ceramica più eccitanti e gratificanti.  Ci sono così tanti fattori che determinano il risultato dell’Opera come per es. la temperatura di cottura, la condizione termica esterna del momento, quanto tempo è tenuto il pezzo nelle fiamme e con quanta velocità ottieni le fiamme …ecc.. Una tecnica che richiede conoscenza e capacità, e sicuramente inventiva..

La passione di Paolo per il materiale e la sua storia, così come la sua infinita sete di conoscenza, hanno ispirato il suo attuale modello di produzione. Le sue Opere sono esclusive sia per le tecniche inedite elaborate, sia perché ispirate da personali esperienze interiori, sogni, e viaggi sciamanici.

Nello spirito tradizionale di trasformazione, ha sentito il forte desiderio di andare verso nuovi orizzonti, di conoscere e lavorare con le diverse tecniche di produzione e i prodotti finali della ceramica, così come i grandi maestri del loro mestiere. 

Alcuni viaggi in luoghi con una storia di ceramiche millenarie hanno completato la sua ispirazione. 

Grazie alla diversità delle sue esperienze, l’Artista è stato in grado di sviluppare un suo metodo molto personale con l'obiettivo di trasferire le vecchie conoscenze nella nuova generazione e nel tempo. 

Impronte digitali, segni di graffi e scanalature di torsione non sono ritoccati, ma restano come segno di autenticità!

Le indicibili variazioni interiori formano paesaggi, figure, animali, maschera Maya che si muovono nel tempo.

Parte di questa serie Maya è stata costruita con frammenti a volte geometrici a volte irregolari tagliati e inseriti su uno sfondo in plexiglass nero che simboleggia il cosmo nel quale l’Artista si perde .

Ogni Opera incorpora alcuni pezzi colorati che danno il punto di partenza per esplorare un grigio monocromatico come segno del tempo che ci trasporta in un’epoca lontana di misticismo tipico di un popolo affascinante come quello dei Maya

Il grigio trasporta intrinsecamente l'evanescenza dei colori nella sua energia pittorica e qui traduce il liquido, il gas, la materia e le sensazioni in movimento. Il contrasto del grigio e del colore presente in questa serie evoca spazi-temporali tra sogno e realtà. 

Il materiale, dipinto, è graffiato, posizionato leggermente in maniera asimmetrica, la linea è sinuosa e le spire portano il movimento. Lo sguardo è libero di navigare, aggrapparsi ai difetti o allontanarsi verso l'orizzonte.

L'evanescenza è un caos silenzioso.

Il punto di partenza è un incontro umano immortalato dal lavoro modellato.

La domanda è per l'Artista di interrogarsi e interrogare gli altri sui sentimenti di empatia, rivolta, passione, tempo, che animano la nostra umanità.

La presenza di sagome umane a volte a grandezza naturale è un contributo all'opera che riecheggia il soggetto nello spazio. Lo spazio è galleggiante, scandito, prospettico e riflette la fuga della persona nel sogno, la fuga dalle vicissitudini quotidiane.

Ogni scultura è intrisa di un colore diverso, estratto dalla realtà dell'opera e i colori brillanti e nitidi sono l’eco della nostra realtà urbana.

IL lavoro di Paolo si concentra sul singolo di fronte a se stesso e agli altri attraverso i temi dell'identità, l'esilio, la solitudine urbana, intime variazioni emotive, sogni, misticismo, sciamanismo come credenze, pratiche religiose, tecniche magico-rituali della storia che attraverso gli spiriti ultraterreni determinano la sorte e gli avvenimenti più terreni, astrazioni temporali come testimonianza di varie ere evolutive degli esseri viventi...

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico QueenArtStudio Gallery

Padova 21-03-2019

 MOSTRA PERSONALE DELLE OPERE FLOW DELL'ARTISTA

NICOLA MOREA

'INCANTESIMI DEL SUBCONSCIO'  

BIOGRAFIA

Nicola Morea pittore e incisore professionista, nato a Bari il 16 agosto 1943, risiede ed ha il suo studio a Mola di Bari – Via E. Toti,36/A.

Eredita la vena artistica da sua madre, creatrice di moda, si forma in pittura alla scuola del pittore italo-venezuelano ‘Don Pedro’. Inizia la sua attività espositiva con una personale a Gioia del Colle nel 1976. Per la grafica si avvale degli insegnamenti di Maria Bellomo, docente di incisione alla Accademia di Belle Arti di Bari, e Marisa Salomone, presso le cui stamperie dal 1980 ad oggi ha eseguito oltre quaranta titoli tra acqueforti, acquetinte, serigrafie e linoleografie.

Al suo attivo ha oltre 50 personali in Italia e all’estero e partecipazioni a concorsi di livello nazionale e internazionali con riconoscimenti significativi.

Sue opere figurano in collezioni pubbliche e private.

Nel 1996 con altri artisti ha fondato il movimento “Terzo Millennio” aspetti d’arte contemporanea.

Nel 2011 è stato invitato alla 54^ Biennale di Venezia.

Nel corso degli anni, la sua ricerca si è estrinsecata nei cicli:

1983-1984 Nuvole barocche 

1985-1986 Tele tagliate

1987-1989 Finestre

1987-1989 Le porte del tempo 

1992-1998 Tracce

1995-1998 Trasparenze 

1998 - 2018  Iperpop 

2018  FLOW ART 4. 0

www.nicolamorea.com

Recensione Critica 

Nella nuova attuale serie e tecnica di dipinti fluidi (Flow Art) di Nicola Morea, l'esposizione di forme e colori è riunita dalla mano dell'artista ma manipolata attraverso forze della natura. 

Alcuni dipinti sono filati o scossi, mentre altri si basano su reazioni tra i materiali, o sulla loro gravità per consentire al dipinto di formarsi quasi da solo.

I dipinti sono costituiti da molti strati di pittura, ognuno dei quali crea la propria superficie astratta fluente lasciata aperta all'interpretazione da parte dello spettatore.

Nicola dipinge per mettere lo spettatore davanti al suo lavoro in un diverso stato di coscienza. 

Il suo obiettivo finale è usare una sorta di lancio d’incantesimi per aprire il subconscio. 

Se le sue forme astratte possono far sentire un po’ a disagio, allora la magia sta facendo il suo lavoro. 

La maggior parte del lavoro di Morea è musica, tutto è colore.

La sua arte è astratta semplicemente perché il mondo è complicato e potenzialmente senza limiti e questo è ciò che dovrebbe essere l'arte.

Realizza quadri unici con una varietà di mezzi, tra cui colori acrilici fluidi, resina e inchiostri alcolici. 

Riassume così "la spontanea liberazione fisica nello spazio, la quasi caotica maneggevolezza del colore" come antidoto al "nostro mondo di lavoro organizzato, strutturato, pesante ".

Oggi dunque preferisce la resina, inchiostri a base di resine epossidiche per soddisfare il suo impetuoso processo di lavoro. 

Con questa nuova energia arriva il coraggio di approfondire i nuovi mezzi, e dopo mesi passati a sperimentare è rinato a nuova vita!

Funghi fantastici spuntano su un boschetto ombroso, promettendo di trasformarsi ancora se si resta a contemplare, un secondo più lungo.

Gli oceani esplodono con meduse e barriere coralline, che tentano di immergersi più a fondo.      

Flora e fauna si fondono come una cosa sola nella nuova serie: nature sospese, mondi fantastici, magma luccicanti… così ispirato nelle forme, dalla luna, dalle rocce, dai minerali, dai cristalli, dall’acqua …

I pigmenti hanno caratteristiche diverse, e Morea consapevole di tutto ciò, usa la viscosità degli acrilici fluidi per sfruttare il loro potere di attrarre o respingersi a vicenda mentre si contendono la posizione in un viaggio fluente di modelli in evoluzione. 

L'energia esplosiva dei rosa e dei rossi caldi e lentamente in via di sviluppo ,di blu e verde sono resi vivi in ​​ricette accuratamente miscelate. 

Le microimmagini risultanti sembrano direttamente correlate ai modelli trovati in tutto il mondo naturale.

L'arte è la parola e presto l’Artista si è ritrovato ipnotizzato da ciò che poteva essere.

Il suo terzo occhio è oggi su un altro livello, un nuovo spazio di creazione, carico alla velocità della luce con manifestazioni visive diverse da qualsiasi altra cosa avessi mai sperimentato prima.

Questo è di là dalla psichedelia, o del film fantasy, o qualsiasi sforzo per meditare e creare una sorta di senso del cosmico.

L'approccio di Nicola Morea alla sua arte è libero e intuitivo, un processo che implica una stratificazione complessa di colori e trame che creano l'illusione di più livelli e dimensioni.

Il risultato finale - un potente riflesso dell'ispirazione che raccoglie dalla bellezza che vede nel mondo che lo circonda e dall'interconnessione di tutte le cose. 

Quando dipinge, ottiene una visione completamente nuova del mondo. Ombre, luci, forme, colori ... Tutto è come nuovo ed è in continua evoluzione…la creazione e la vita sono insieme in una danza eterna.

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico di QueenArtStudio Gallery

 28 Dicembre 2018

Queenartstudio Gallery vi aspetta il 12 Gennaio 2019 alle ore 18 in Riviera Tito Livio 75 a Padova per l'inaugurazione CON APERITIVO dell'Esposizione Personale di alcune Opere di Uma Aslam

'Con il suo colore e linguaggio formale, sforzandosi per raggiungere l'armonia, Uma Aslam riconcilia emozione e ragione in una tavolozza colorata di una bella brillantezza. 
Cercando e scoprendo, sposta il figurativo in astratto o, l'astratto nel figurativo, cerca i confini e poi li nega.
Uma vuole condividere questa esperienza sublime con noi. Guardare e assorbire la sua arte ci dà la sensazione di essere a posto. 
I suoi dipinti, esposti qui, non sono imitazioni della realtà, ma un mondo in sé come una registrazione visiva dell'interazione tra casualità e controllo.
Quindi quel "qualcosa" che suggerisce la prossima cosa, e la successiva, e così via, finché non emerge una sorta di logica interna espressiva. 

La sua arte ci fa meraviglia e determina il nostro punto nello spazio. Poi arriva l'emozione e il desiderio che automaticamente si trasforma in necessità di vedere oltre. 

Uma ha portato avanti con saggezza artistica e matematica forme sia gentili che fortemente plasmate che impregnano i suoi dipinti di riflessioni. 
Con le sue regole misurate per la luce e il suo rispetto per il colore, l’Artista ha un ruolo importante nella composizione e nella cura dei dipinti che ispirano veramente. 
I dipinti di Uma chiamano gentilmente i loro spettatori.
Sono astrazioni sussurrate, astrazione a volte senza descrizione ma, affascinano come eleganti sillabe in poesie dipinte con delicatezza. 
Non cerca di scandalizzare o di ammaliare con gesti raffinati, né di ingannare con il fascino dei fiori. La vernice raggiunge la sua tela come una ricca nebbia di tinte per giocare nell'aria briosa.
Una possibile imprecisione dei confini stuzzica l'incertezza, ma i colori respiranti che sembrano macchiati di nuovo ricompensano le nostre attenzioni ancora e ancora.

Il suo lavoro descrive ampi orizzonti, grandi cieli, specchi d'acqua e forme del terreno. Raccoglie una serie infinita di scene ispirate e le rilascia sulla sua tela in semplici e sottili rendering che rapidamente congelano il momento nel tempo e lasciano una registrazione pittorica di un processo poetico.
Le sue scene sono orizzonti senza luogo in cui lo spettatore può trascendere psicologicamente. 
Con le linee fluide e il colore che cambia lentamente, evoca sospiri meditativi. Morbido e sofisticato, il suo modo di essere naturale in cui sintetizza le nozioni di colore della realtà. Suggerisce ottimismo attraverso la cattura di ciò che è bello in natura

Con la Luce e l’ ombra approfondisce e trasmette l'impressione di tridimensionalità. 
In alcuni dipinti con la geometria frattale modula liberamente lo spazio di luce, portando i ritmi e le forme le dimensioni come casualmente disposti…

Gli oggetti dell'immagine visiva, diventano segni, concetti spirituali, e hanno un significato poeticamente simbolico, qualcosa da comunicare e da raccontare…. 

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico 20-09-2018'

QUANDO:dal martedì al sabato dalle ore 16.30 alle 19.30 fino al 24 Gennaio 2019


ENGLISH

Queenartstudio Gallery awaits you on January 12, 2019 at 18.00 in Riviera Tito Livio 75 in Padua for the inauguration of the Personal Exposition of some Works of Uma Aslam

'With her colour and official language, which make her force to reach balance, Uma Aslam reconciles emotion and reason in a coloured palette with a beautiful brilliance. 
By looking for and by discovering, she moves the figurative into the abstract and vice versa, she looks for borders and then she denies them. 
Uma wants to share this lofty experience with us. To look and to absorb her art give us feeling to be all right. 
Her pictures here exposed, are not reality’s imitations. They represent a world in itself just like a visual recording of interaction between chance and control. 
Therefore, that “ one thing” that suggests the next thing, the further one and so on up to reach a sort of internal expressive logics. 

Her art wonders us and determines our point in space. Then there are emotion and desire which automatically turn into need of seeing beyond. 

Uma has pursued with an artistic and mathematics wisdom forms both kind and strongly shaped which soak of meditations her pictures. 

For her rules tailored for light and her respect for colour, the Artist has an important role in pictures’ composition and care which really inspire.

Uma’s pictures kindly call their spectators. 
It is about whispered abstractions , sometimes without any description but they attract to see how elegant syllables in poetries painted with sensitivity. 

She does not try to shock or to glamour with refined movements, nor to deceive with flowers fascination. Varnish reaches her canvas as a thick fog of colours to play at the perky air. 

An eventual inaccuracy of borders teases incertitude, but breathing colours which seem to be stained again reward our attention again and again. 

Her work describes wide horizons, great skies, bodies of water and land forms. She collects an infinite range of inspired scenes and release s them on her canvas in simple and subtle renderings which rapidly freeze as time passes and leave a pictorial recording of a poetic process. 

Her scenes are horizons without any place where spectator can psychologically go beyond. With fluid lines and colours which slowly changes, she evokes meditative sighs. Her way of being natural is soft and sophisticated. She hence summarises notions of colour in reality. She suggests optimism through capturing what is beautiful in nature. 

With light and shadow she deepens and transmits feeling of three-dimensionality. 

In some of her pictures, with fractal geometry she freely shakes space for light, by bringing to rythms and forms those dimensions as they had casually been provided…

Objects of visual image become signs, spiritual concepts, and have a poetically symbolic meaning, something to comunicate and to tell… 


Maria Grazia Todaro Art Director and Critic 20-09-2018'

WHEN: Tuesday to Saturday from 16.30 to 19.30 until 24 January 2019

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NU-INCANTAMENTI ALCHEMICI
Esposizione delle Opere di PATRIZIA CONDINI

Dal 26 Ottobre al 9 Novembre 2018
Inaugurazione 26 Ottobre ore 18 con Aperitivo Artistico 


Queenartstudio Gallery Riviera Tito Livio 75 -Padova
www.queenartstudio.it
queenartstudiopadova@gmail.com

Patrizia Condini nei suoi dipinti coglie le molteplici sensazioni della sua anima . 
Ispirata da momenti che si sono "bloccati" nella sua memoria, l'Artista crea Opere emozionanti usando palette di colori accattivanti e audaci.
Ogni pittura mostra il profondo fascino per la libertà : un concetto che associa fortemente con il suo interesse per i "processi complessi che avvengono sia all'esterno che all'interno" di ogni essere umano.
Oltre ad esplorare cosa vuol dire essere un individuo libero, Patrizia usa anche i suoi dipinti di grandi dimensioni come sbocco per la propria auto-espressione: "La mia arte riflette il mondo che percepisco con tutti i miei sensi", spiega. "Le persone che incontro e amo; la natura che ammiro; e tutte le cose che influenzano il modo in cui sono. "
Ha sempre saputo che vuole creare. Quando era una bambina era affascinata dall'arte ampiamente definita. Ha sognato di creare, non distruggere. Non ha scelto la pittura. La pittura stava scegliendo lei.
Dipinge con tutto ciò che gli cade nelle mani, a volte con un pezzo di cartone, a volte con delle fotografie. Dipinge per lo più con le mani appunto ,e nasconde pensieri intimi, lettere, parole frasi tra i colori prepotenti e passionali.
Lo stile del suo dipinto è difficile da specificare. Ma penso che lo stile di Patrizia non abbia un nome, nessun confine. Ha una sua espressione o carattere, come ogni stile.
Su ogni tocco di tela, la vernice lascia una scia. La traccia dipende dalla pressione sulla vernice, dall'angolo di inclinazione, dalla densità, dalla quantità utilizzata e soprattutto dall’intensità del suo sentimento in quel preciso momento.
L'uomo guarda costantemente il tempo. Guarda l'orologio, vive di ora in ora. E questo la spaventa.. Ecco perché cerca di catturare il tempo nei suoi dipinti.
Dipingendo velocemente, corre contro il tempo. Una sfida surreale.
Ferma il tempo, un frammento di secondo e, fermando il tempo nella sua immaginazione si sente totalmente libera, come se fosse immersa nell'Oceano. 
E questa sensazione la dipinge sulla tela dove lascia pezzi di sé . 
‘NU’ (intercalare ebraico che ritroviamo in due sue Opere) la spinge ad andare avanti , oltre ….
Definire la sua Arte alchemica, significa definire la sua arte operativa, fatta di conoscenza e teorie filosofiche: una sorta di microcosmo all’interno del quale agisce quasi fosse la legittima seguace dei processi naturali di trasformazione, usando un linguaggio costituito da codici, alfabeti segreti, segni criptografici, ma anche da figure antropomorfe , che ci restituiscono una visione dell’Arte e dell’Artista come emulo di Dio.

Dieci delle sue Opere sono dedicate infatti alla Sefirot Ebraica 
Le Sefirot corrispondono ad importanti concetti metafisici ,sono dieci principi basilari, riconoscibili nella molteplicità disordinata e complessa della vita umana, capaci di unificarla e darle senso e pienezza.
Inoltre, esse sono anche associate alle situazioni pratiche ed emotive attraversate da ognuno di noi, nella vita quotidiana. 

Nell’Arte di Patrizia Condini c’è quindi questo grande riferimento legato alla sua passione per la cultura ebraica ,di cui la Kabbalah è una delle espressioni più note ed allo stesso tempo più sconosciute. 
Quello del misticismo ebraico è un mondo molto complicato. Gli studi fatti in questo senso le hanno permesso di avventurarsi alla scoperta dell’albero della vita e della Sefirot : i dieci principi vitali che costituiscono una sorta di cosmogonia del mondo divino. 
Allo stesso tempo è, però, anche un viaggio nella psicologia umana, in quanto ognuna di queste Sefirot rappresentano un atteggiamento dell’uomo.
Riceve delle suggestioni da tutta questa tradizione e la traduce in arte attraverso delle creazioni originali. 
Ogni Opera è dunque ispirata ai vari sentimenti e ai vari aspetti della Kabbalah.
Ad esempio la prima Opera “Keter”, che vuol dire corona ma anche testa, si trova in cima all’Albero, è la sfera più celestiale e rappresenta il principio di tutte le cose. 
Per quest’Opera Patrizia ha scelto delle tonalità quasi siderali. Vi sono poi due tipi diversi di conoscenza intellettuale, corrispondenti alla percezione separata dei due emisferi cerebrali: la prima più artistica e intuitiva, la seconda più logica e razionale .
Per queste due Opere Patrizia ha scelto una linearità orizzontale e vivace. Dopo le prime tre Sefirot , vi sono i sei stati emotivi della psiche, tre più intimi (i rossi accesi e gli arancioni intensi)e tre più rivelati, più vicini all'esperienza fisica. Tutti e sei sono generati dall'opposizione fondamentale tra Chesed (Amore) e Ghevurà (Forza), comprensibili anche come attrazione e repulsione. L’ultima Opera, “Malkut” vuol dire terra o piedi è la Sfera più lontana dalla divinità lineare, rivolta soprattutto alle contingenze del mondo fisico e alle sue necessità. Per quest’Opera Patrizia ha scelto una trama più severa . Ha voluto dargli un ritmo verticale e, anche tecnicamente , si è ispirata alla forza del numero.
Nel piano più spirituale le dieci Sefirot diventano le "Dieci Potenze dell'Anima", dieci luci o sorgenti d’energia, che aiutano costantemente la crescita di coloro che sanno connettersi con esse, nel loro cammino di ritorno all'Albero della Vita ed ogni titolo di ogni Opera di Patrizia Condini corrisponde sia nel contenuto che nell’espressione ad ognuna di loro. .


Maria Grazia Todaro Art Director e Critico QueenArtStudio Gallery
Ottobre 2018

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