'EMOTIONAL DIFFUSION'

RASSEGNA DI PITTURA

CONTINUA LA RASSEGNA DI ESPOSIZIONI PERSONALI IN QUEENARTSTUDIO GALLERY A PADOVA  QUESTA VOLTA CON OPERE ESCLUSIVAMENTE PITTORICHE DEGLI ARTISTI INTERNAZIONALI

PRZEMKO STACHOWSKI

LUISE GANDON 

MADLEN WROBEL

MADLEN WROBEL

Le Opere dell’Artista sono ispirate dai sogni e dalla musica (dark romantic, Rock, Metal e Gothic) Ed è davvero una grande storia, in cui entrare ed in cui immedesimarsi, in cui lasciarsi andare ai suoi misteri, ai suoi angoli gotici, ai suoi richiami folk senza tempo, alla sua carica fantastica, alla sua lirica, alla sua coralità, alla sua sacralità, alla sue delicate e ricercate divagazioni spaziali, ai suoi dosati e superbi affondi heavy ,al suo ammaliante onirismo. Mdlen presenta una selezione di opere, pezzi unici dipinti ad olio che traggono la loro suggestione da un’estetica post-romantica, con particolare attenzione all’espressionismo e al simbolismo, così come dalla psichedelia e dall’estetica manga, toccando ambiti quali il fumetto, la pop art, il cinema e soprattutto la musica rock. Ingredienti d’ispirazione artistica che si miscelano sapientemente grazie ai colori utilizzati dove la figura della donna, l’eterno femminino onnipresente nella cultura di inizi Novecento, è il centro del percorso espositivo la dea primordiale da cui tutto nasce. La memoria è un eco del passato, e come l’eco distorce l’immagine originale, riproducendola in maniera differente, così la memoria può distorcere il passato. La sua estetica può essere quindi ingannevole, e in questo senso può arrivare a trasformare la realtà attuale. I suoi dipinti sono piccoli obiettivi, stazioni nel labirinto dell'autoconoscenza, nascondono contenuti da scoprire, pensieri disponibili.. Le figure umane mostrate sono immagini curiose, sincere, stupite del "sé infantile". E gli spazi vuoti del dipinto sono una cornice nuda su cui l'osservatore può proiettare il suo percorso, il suo stato attuale, riempire il vuoto di contenuto, considerando i suoi valori e le sue decisioni. Esaminare se stesso (anche) attraverso le Opere di Madlen come parte del grande insieme e parti di se stesso nel suo insieme.

LUISE GANDON è un artista franco-austriaco. Attualmente vive e lavora a Vienna, dove è nata.

Dopo essere stata insegnante, si concentra sul ritratto e sulla pittura di nudo.

Ha partecipato a diversi seminari sull'argomento in Austria e in Germania Secondo i suoi temi, sceglie sia modelli viventi che foto e istantanee tratte da scene di film. È importante per lei creare ritratti espressivi, le espressioni facciali dei suoi protagonisti indicano la loro condizione e le scene rappresentate. Quindi, le sue immagini sembrano primi piani di film, senza conoscere alcuna trama. Questo modo di mostrare porta ansia nel suo lavoro perché risveglia la curiosità dell'osservatore.

Negli ultimi due anni ha esposto in quasi tutto il mondo e Padova con QueenArtStudio Gallery.

La sua arte si concentra principalmente sulle donne..

La figura della donna è sempre stata al centro del suo lavoro Luise prende ispirazione dal mondo del cinema e dello spettacolo, dalla natura e dall'universo, e la sua percezione del mondo si rispecchia nelle sue opere.

Usa le rappresentazioni degli attori per interpretare concetti narrativi e identità di sé nell'altro soggetto. Ritratti i cui soggetti provengono da una foto originale o scattata dallo stesso artista e alcuni segni visivi sulla personalità dell'individuo.

È una donna che dipinge donne nude, e come tale il suo lavoro rispecchia la sfida e la ricchezza di questa esperienza.

Luise invita lo spettatore a cogliere momenti puri di questi dipinti: una donna che si alza dal sonno o dalle acque ... giovani innamorati coinvolti in una conversazione intima e placida, donne a riposo che si confrontano silenziosamente.

PRZEMKO STACHOWSKI

Progetta e realizza mosaici in marmo e pitture murali per interni e facciate. E'il fondatore di Deco Arch , uno studio d'arte. Dopo anni di lavoro all'Accademia di Belle Arti, ha lavorato con pittura murale e da cavalletto su larga scala e intima, fotografia e mosaico murale, che ha imparato mentre era ancora borsista del CISIM (Centro Internazionale Studi Insegnamento Mosaico) a Ravenna.
DecoArch - uno studio d'arte è stato formalmente istituito nel dicembre 2011, ma la sua produzione consiste nei diversi anni di esperienza. La decisione di fondarlo è stata influenzata dalla necessità di fondere e arricchire molti anni di esperienza nel campo della progettazione e realizzazione di progetti di interni completi attraverso la collaborazione con architetti, interior designer e artisti che si occupano di marmo artistico e mosaici in vetro, pittura murale e da cavalletto, scultura e vetrate. Come risultato di tale collaborazione, vengono creati spazi architettonici unici e innovativi di uso pubblico e individuale per clienti e istituzioni con una consapevolezza ben sviluppata e una sensibilità estetica per il mondo che li circonda in cui devono vivere, lavorare e riposare.
Oggi, Deco Arch è una squadra.Le Opere sono un'espressione di un fascino per una forma che, in determinate condizioni, può essere trattata come una sorta di scrittura, un messaggio dal profondo , una lettera dal subconscio. C'è una palese ammirazione per la storia della scrittura nella storia dell'umanità. Le radici delle lettere e il modo in cui sono disegnate raccontano non solo il messaggio, ma anche molto sull'autore della lettera.

IL PERCORSO  ESPOSITIVO SARÀ ALL'INSEGNA DELL'EMOZIONE ESTETICA E LA SUA DIFFUSIONE ATTRAVERSO LE OPERE PITTORICHE  DEGLI ARTISTI IN MOSTRA : lo stato emotivo suscitato da un'opera d’arte, sia dall'artista che la realizza, sia dallo spettatore e si riferisce a un sentimento che si prova innanzi alla contemplazione della bellezza e dell’armonia che sono elementi solitamente peculiari di un’opera d’arte. L’arte costituisce un ambito particolarmente adatto per suscitare e creare emozioni, perché ha il merito di rendere più esplicite tutte le intuizioni umane, riuscendo a cogliere in modo più immediato la natura del fenomeno emotivo.

INAUGURAZIONE DOMENICA 11 OTTOBRE 18 CON INGRESSI CONTINGENTATI 

LA REGISTRAZIONE DELLA PRESENTAZIONE CON INTERPRETE VERRÀ PUBBLICATA SUL CANALE YOUTUBE DI QUEENARTSTUDIO E CONDIVISA SUL SITO www.queenartstudio.it 

E SUI VARI SOCIAL SU CUI SIAMO FORTEMENTE PRESENTI

L'ESPOSIZIONE POTRÀ ESSERE VISITATA GRATUITAMENTE E IN TUTTA SICUREZZA DAL MARTEDÌ AL SABATO DALLE ORE 17 ALLE ORE 20 IN RIVIERA TITO LIVIO 75 A PADOVA

                                                          A CURA DI

Maria Grazia Todaro Art Director

QUEENARTSTUDIO GALLERY RIPARTE CON UNA NUOVA ENERGIA CON UNA INTERESSANTE E SUGGESTIVA RASSEGNA DI PITTURA, SCULTURA FOTOGRAFIA, DISEGNO DEGLI ARTISTI:

LIENA KALENYUK-PERERVA
GIUSEPPE ARDUCA
MARIA CONCETTA PALERMO
LORENZO DE MARCO
ROSANA LARGO RODRIGUEZ
PB WOOD ART

GLI ARTISTI CHE NEL PERIODO DI CHIUSURA HANNO CONTINUATO A COLTIVARE LA PROPRIA PASSIONE ESPORRANNO 10/15 OPERE A TESTA IN UNA CONVIVENZA ARMONIOSA NEGLI ELEGANTI SPAZI DELLA NOSTRA GALLERIA SITA NEL CUORE DI PADOVA ,ACCOGLIENDO LA SFIDA DI UNA NUOVA RINASCITA ARTISTICA

GIUSEPPE ARDUCA è un fotografo per passione e adotta un approccio altamente figurativo per esplorare il mondo con la sua macchina fotografica. Coltiva con interesse crescente negli anni la fotografia non trascurando neppure il colore. Crea uno spazio in cui fissa i primi piani e i loro riflessi, detta i ritmi temporali, per attirare la mente dell’osservatore attraverso la sua poetica Con riprese d’acqua incontaminate e dettagli minuziosi, Giuseppe ritrae sia oggetti comuni, sia e soprattutto immagini della natura. La luce cade sulla forma d’acqua, riempiendola, trasformandola. Questo è il mistero. Vita e amore, luce e anima. L'arte è nella trama dei quattro insiemi….Presenta in questa rassegna una serie di macro sulla natura


LIENA KALENYUK-PERERVA
Originaria dell’Ucraina da 20 anni in Italia è riuscita tra mille difficoltà a praticare la sua passione artistica. Ad Asiago dove ha vissuto per 13 anni ha gestito una mostra privata permanente raccogliendo numerosi consensi. Liena ama dipingere panorami, nature morte, paesaggi, ritratti e tutto ciò che gli crea emozione. Come mezzo di pittura usa l’olio su tela. Con la sua pittura vuole cogliere la bellezza in tutto quello che vede. Da sempre alla ricerca della perfezione continua a studiare per migliorarsi. Ogni suo dipinto è un pezzo della sua anima, è l’espressione del suo sentimento interiore e vuole esprimere pace e serenità. In questa rassegna espone interessanti paesaggi e panorami


LORENZO DE MARCO ’LOLLODEM’ Pittore, Fotografo, Scultore: Lorenzo De Marco, in arte ‘Lollodem’, è nato a Crotone. Ha iniziato a praticare arte sin da bambino continuandoli nel liceo artistico e nell'Accademia di Belle Arti a Bologna. Con il tempo ha iniziato ad affermarsi sempre di più come artista facendo diverse mostre in giro per l'Italia. L'intento della sua arte è quello di sensibilizzare lo spettatore e portare alla luce degli episodi negativi oggi attuali soprattutto appartenenti al suo territorio: la Calabria. Le sue opere sono piene di sentimento, di affetto, sono anima calabrese; nelle sue opere ci siamo noi, le persone che ha conosciuto, quelle di cui ricorda le storie che prova a raccontare negli sguardi che in una forma di “realismo” riproduce con veridicità strepitosa. Presenta in questa Rassegna una serie di intensi carboncini




MARIA CONCETTA PALERMO Architetto, è nata a Catanzaro e vive ed opera a Padova. Si è dedicata da sempre all’arte della Pittura e Poesia. Ha partecipato come pittrice a mostre e concorsi con buon esito di critica ed ha esposto in personali e collettive. È come tuffarsi nella gioiosa vitalità della natura ed anche nella riflessione del simbolo. L’Artista evoca, con soggetti floreali, ma anche con figure, il vigore continuo e dinamico delle forme, la materia sovrapposta ai toni, l'immediatezza di una visione che oltrepassa la pura contemplazione e diventa parte integrante di un'espressione che nasce dall'anima. Lo sguardo coglie raffinate sfumature, pose e corpi disposti in maniera aggraziata nello spazio, scopre gli occhi sereni di Cristo immerso in una luce limpida. Presenta in questa Rassegna acquerelli di nudi paesaggi e natura che sono un excursus tra presente e passato della sua produzione.

ROSANA LARGO RODRIGUEZ È una pittrice spagnola che utilizza pigmenti naturali e tecniche classiche per raggiungere il suo stile surrealista. Rodríguez organizza meticolosamente una varietà di forme, simboli e oggetti per creare un dialogo attorno agli eventi attuali. Le sue fantastiche composizioni emergono da uno sfondo oscuro, ricordando un sogno ricordato al risveglio. Delicato e provocatorio, mentre giocava con temi di femminismo, perdita di innocenza, mortalità e genitorialità, Rodríguez ha invitato i suoi spettatori a ripensare le loro relazioni con i soggetti raffigurati. Ispirata dalla letteratura classica, Rodríguez inventa mondi fantasiosi che circondano sia i suoi soggetti che il suo pubblico. L'uso di olio d'oliva come ultimo strato, anziché trementina, conferisce a ciascuna delle sue opere una delicatezza, creando una qualità infantile sia di meraviglia che di inquietante. Presenta in questa Rassegna i suoi singolari dipinti ad olio su sassi


PB WOOD ART è figlia d'arte: una figlia che dopo anni è riuscita a ritrovare ogni ricordo del passato e a raccontarlo in arte. Negli ultimi anni, si è dedicata solo alla pittura scoprendo che dipingere è bellissimo, e la vera ispirazione ed il movimento stesso delle mani, debbono essere sempre accompagnati dalla costante musica classica compagna di vita. Con uno stile personalissimo è capace di offrirci una sua visione del mondo, di una natura plasmata dai suoi sogni e dalle sue emozioni, mai una copia del vero riconoscibile nelle forme e nei giochi di colore. Il sapiente uso della spatola, dà corpo e vigore all'intera produzione artistica, di fronte alla quale, lo spettatore è invitato come osservatore partecipante, ad uno scambio emozionale inevitabile. Presenta in questa rassegna una serie di dipinti su tela e su tavola che sono la sua espressione di opulenza, gioia e voglia di vivere


Presentazione 4 Luglio 2020 ore 18.30 a cura di MariaGrazia Todaro Art Director e Critico QueenArtStudio Gallery-

L'INAUGURAZIONE E'SOLO SU INVITO PER RISPETTARE LE NORME DI DISTANZIAMENTO E IGIENE IN BASE A DPCM GIUGNO 2020

CHI FOSSE INTERESSATO A PARTECIPARE ALL'INAUGURAZIONE PUO SCRIVERE O TELEFONARE

INFO
www.queenartstudio.it queenartstudiopadova@gmail.com
tel. +39 3346447738

L'ESPOSIZIONE SI POTRA' VISITARE GRATUITAMENTE E IN TUTTA SICUREZZA DAL 4 AL18 LUGLIO 2020
ORE 17-20
RIVIERA TITO LIVIO 75-35100 PADOVA
SI EFFETTUERANNO INGRESSI SCAGLIONATI DAL MARTEDì AL SABATO

L'INAUGURAZIONE SARA' RIPRESA E PUBBLICATA SUI CANALI YOU TUBE E SUI SOCIAL DI @Queenartstudio Gallery

L'ARTE DELLA DELIZIA

Dal 7 al 21 febbraio arriva ad abbellire le pareti del Caffè Letterario Treccani un’altra donna artista Sabrina Garzelli con “L’arte della delizia".

L'esposizione è stata ricevuta in premio lo scorso giugno, grazie alla presenza del titolare del Caffè Letterario Treccani (via Umberto I n*2, propio di fronte alla nostra Galleria)all’interno della Commissione giudicatrice del concorso – patrocinato dal Comune e dalla Provincia di Padova – “Golden Prize 2019 International Contemporary Art Expo” tenutosi presso QueenArtStudio Gallery, dove l’artista espone in permanenza.

Sabrina Garzelli vive e lavora a Livorno. Laureata in Lingue e letterature straniere, si è formata artisticamente sotto la guida del padre, noto artista “iperrealista”. Ha partecipato a diverse manifestazioni artistiche, ottenendo consensi sia dalla critica che dal pubblico. Sabrina riprende il modo di dipingere che ha radici illustri nella pittura di tradizione fiamminga del rinascimento e poi nel 600 barocco a diffusione europea. Ha studiato per anni Pittura di interni e di oggetti. Lei si definisce “pittrice laboriosa e interprete dell’artificio che simula la realtà”.

Nella sua arte troviamo ceramiche bianche e rilucenti tazze da The, cibi dal sapore antico e genuino, vetri trasparenti di bicchieri a calice per i brindisi dei giorni di festa, vestiti dal gusto retrò e sottane di seta, i pizzi e i merletti candidi delle fini biancherie desiderose di essere mostrate. Il tutto assieme ad immagini di scarpette da danza classica rosse e bianche, tutù vaporosi e lunghe perle nei vecchi cassetti o bauli con richiami alla pittura classica, alle sculture ora del Canova , ora di Michelangelo…

Le sue opere si trovano in collezioni private in Europa e negli Stati Uniti, oltre che presso istituzioni pubbliche come l’Accademia Navale di Livorno e il comune di Castagneto Carducci.

L’esposizione dei quadri è curata da Maria Grazia Todaro, Critico d’arte e Direttore di QueenArtStudio Gallery che presenterà l’Artista nel salotto del Caffè Letterario Treccani il giorno dell’inaugurazione: il 7 febbraio 2020 alle ore 18:00.

Le opere della Garzelli rimarranno in esposizione all’interno del Caffè Letterario Treccani fino al 21 Febbraio prossimo.

INFO
Maria Grazia Todaro Art Director
QueenArtStudio Gallery
Centro Espositivo di Arte Internazionale
Riviera Tito Livio 75 Padova

www.queenartstudio.it
queenartstudiopadova@gmail.com
tel +39 3346447738
 

13-29 SETTEMBRE 2019

MOSTRA  PERSONALE

'ONIRICAMENTE'

DELL’ARTISTA BELGA 

RAPHAEL TIERENS ’RALTI’

INAUGURAZIONE VENERDì 13 SETTEMBRE 2019 ORE 18

PRESENTAZIONE CRITICA DI 
MARIA GRAZIA TODARO

L’ARTE ONIRICA DI RAPHAEL TIERENS

Raphael  Tierens nasce in Belgio dove tuttora vive ed opera.

Senza economia di studio, s’impegna a scoprire la tecnica dell’olio su tela creando opere di grande fantasia e astrattismo, per poi passare alla pittura surreale di grande ispirazione musicale e simbolica con citazioni e immagini prese dal passato.

Nonostante sia un pittore autodidatta, il risultato è da subito stupefacente e, di fatto, la sua partecipazione a numerose collettive raggiunge entusiastici consensi. Come scrisse André Breton, nel Manifeste du surréalisme  “Il surrealismo si fonda sull’idea di un grado di realtà superiore connesso a certe forme di associazione finora trascurate, sull’onnipotenza del sogno, sul gioco disinteressato del pensiero. Tende a liquidare definitivamente tutti gli altri meccanismi psichici e a sostituirsi ad essi nella risoluzione dei principali problemi della vita.”

Gran parte del suo lavoro evoca l'osservazione visiva, il commento, un significato nascosto. Produce un lavoro meticoloso e fluente.

La sua opera d'arte è l'estensione dei suoi processi di pensiero interiore e percezioni del mondo intorno a lui. Ha un forte desiderio di trasmettere la bellezza e la spiritualità del mondo naturale.

Dipinge principalmente con colori ad olio Usa colori tenui e movimenti energici, dipinge con passione e cura. Ogni pezzo è unico e parla da solo. 

L'argomento varia e di solito racconta una storia. 

Raphael continua ad esplorare e crescere con l'arte, rendendo il mondo, un posto migliore dove dipingere. Trae stimoli dalla bellezza della creazione di Dio nelle sue diverse forme ed espressioni.

Le sue ispirazioni sono varie: natura, animali, musica, manoscritti, bellezza, colore, alberi, sogni, spiritualità e storia dell'arte. 
Connesso e appassionato durante la creazione, raccoglie idee per nuove opere d'arte che raccontano la sua vita onirica.

Riciclando idee dalle opere d'arte passate, il suo dipinto diventa un altro progetto, aprendo le porte a una nuova creatività.

Sperimentando, esprime il suo amore per il colore e la passione per la pittura.

Natura e spiritualità sono parte della sua visione tanto quanto il suo amore per la forma umana.

Si può definire un viaggiatore interiore, che esplora il mondo inconscio misterioso ed veramente complesso. 

Nella vita reale e nella sua arte, non gli importa delle convenzioni e dei tabù, non ci sono Meme sacri che non possono essere toccati. I suoi dipinti sono meditazioni profonde piene di simboli sulla vita e sulle tendenze e reazioni più intime ... non necessariamente per creare qualcosa che piace alla maggior parte delle persone, ma per aprire una finestra su immagini impossibili da dimenticare.

Raphael oggi sa che il suo scopo primario è di riuscire a trasmettere le stesse emozioni che egli prova osservando quello che lo circonda ma trasfigurato dalla sua immaginazione, per questo riesce a lasciare un’impronta di se stesso nel tempo, continuando così ad appoggiare il pennello sulle sue tele con grande passione ed immensa dolcezza.

Maria Grazia Todaro Critico d’Arte e Gallerista -Settembre 2019

http://www.queenartstudio.it/pagine-d-artista/ralti-tierens-raphael/

LA MOSTRA SARA' VISITABILE DALMARTEDì AL SABATO DALLE ORE 17 ALLE ORE 20 E LA DOMENICA DALLE ORE 18 ALLE ORE 20

INGRESSO LIBERO

PER INFO  QUEENARTSTUDIOPADOVA@GMAIL.COM TEL 3346447738

IL 6 APRILE 2016  QUEENARTSTUDIO GALLERY

inaugura le personali degli Artisti Elena Borboni e Vincenzo Biavati

Un connubio che tra due Artisti che attraverso i colori e la luce esprimono entrambi ,con tecniche completamente differenti e , in due ambienti distinti della Galleria, un inno alla vita.

Le Opere resteranno in esposizione presso QueenArtStudio Gallery fino al 30 Aprile, escluso il periodo delle vacanze pasquali

La Mostra sarà visitabile dal martedì al sabato dalle ore 16.30 alle 19.30

Inaugurazione con Aperitivo Artistico il 6 Aprile 2019 alle 18.00

Riviera Tito Livio 75 a Padova –Ingresso Libero

Gli Artisti  saranno presenti all’Inaugurazione.

MariaGrazia Todaro Art Director di QueenArtStudio Gallery

Riviera Tito Livio 75-35100 Padova

www.queenartstudio.it

queenartstudiopadova@gmail.com

tel 3346447738

PAOLO RONZANI-NEL CUORE DELLA MADRE TERRA

Pittore e scultore, si forma presso il Centro Maschere e Strutture Gestuali del Maestro Donato Sartori, dove inizia la sua ricerca come scultore. Affascinato dall’impronta lasciata dalle trame dei tessuti, inizialmente lavora con il gesso e le velature ad olio per arrivare in seguito alla ceramica Raku e agli spettacolari effetti degli ossidi e delle cristalline.

Il fuoco Raku è uno dei processi di ceramica più eccitanti e gratificanti.  Ci sono così tanti fattori che determinano il risultato dell’Opera come per es. la temperatura di cottura, la condizione termica esterna del momento, quanto tempo è tenuto il pezzo nelle fiamme e con quanta velocità ottieni le fiamme …ecc.. Una tecnica che richiede conoscenza e capacità, e sicuramente inventiva..

La passione di Paolo per il materiale e la sua storia, così come la sua infinita sete di conoscenza, hanno ispirato il suo attuale modello di produzione. Le sue Opere sono esclusive sia per le tecniche inedite elaborate, sia perché ispirate da personali esperienze interiori, sogni, e viaggi sciamanici.

Nello spirito tradizionale di trasformazione, ha sentito il forte desiderio di andare verso nuovi orizzonti, di conoscere e lavorare con le diverse tecniche di produzione e i prodotti finali della ceramica, così come i grandi maestri del loro mestiere. 

Alcuni viaggi in luoghi con una storia di ceramiche millenarie hanno completato la sua ispirazione. 

Grazie alla diversità delle sue esperienze, l’Artista è stato in grado di sviluppare un suo metodo molto personale con l'obiettivo di trasferire le vecchie conoscenze nella nuova generazione e nel tempo. 

Impronte digitali, segni di graffi e scanalature di torsione non sono ritoccati, ma restano come segno di autenticità!

Le indicibili variazioni interiori formano paesaggi, figure, animali, maschera Maya che si muovono nel tempo.

Parte di questa serie Maya è stata costruita con frammenti a volte geometrici a volte irregolari tagliati e inseriti su uno sfondo in plexiglass nero che simboleggia il cosmo nel quale l’Artista si perde .

Ogni Opera incorpora alcuni pezzi colorati che danno il punto di partenza per esplorare un grigio monocromatico come segno del tempo che ci trasporta in un’epoca lontana di misticismo tipico di un popolo affascinante come quello dei Maya

Il grigio trasporta intrinsecamente l'evanescenza dei colori nella sua energia pittorica e qui traduce il liquido, il gas, la materia e le sensazioni in movimento. Il contrasto del grigio e del colore presente in questa serie evoca spazi-temporali tra sogno e realtà. 

Il materiale, dipinto, è graffiato, posizionato leggermente in maniera asimmetrica, la linea è sinuosa e le spire portano il movimento. Lo sguardo è libero di navigare, aggrapparsi ai difetti o allontanarsi verso l'orizzonte.

L'evanescenza è un caos silenzioso.

Il punto di partenza è un incontro umano immortalato dal lavoro modellato.

La domanda è per l'Artista di interrogarsi e interrogare gli altri sui sentimenti di empatia, rivolta, passione, tempo, che animano la nostra umanità.

La presenza di sagome umane a volte a grandezza naturale è un contributo all'opera che riecheggia il soggetto nello spazio. Lo spazio è galleggiante, scandito, prospettico e riflette la fuga della persona nel sogno, la fuga dalle vicissitudini quotidiane.

Ogni scultura è intrisa di un colore diverso, estratto dalla realtà dell'opera e i colori brillanti e nitidi sono l’eco della nostra realtà urbana.

IL lavoro di Paolo si concentra sul singolo di fronte a se stesso e agli altri attraverso i temi dell'identità, l'esilio, la solitudine urbana, intime variazioni emotive, sogni, misticismo, sciamanismo come credenze, pratiche religiose, tecniche magico-rituali della storia che attraverso gli spiriti ultraterreni determinano la sorte e gli avvenimenti più terreni, astrazioni temporali come testimonianza di varie ere evolutive degli esseri viventi...

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico QueenArtStudio Gallery

Padova 21-03-2019

 MOSTRA PERSONALE DELLE OPERE FLOW DELL'ARTISTA

NICOLA MOREA

'INCANTESIMI DEL SUBCONSCIO'  

BIOGRAFIA

Nicola Morea pittore e incisore professionista, nato a Bari il 16 agosto 1943, risiede ed ha il suo studio a Mola di Bari – Via E. Toti,36/A.

Eredita la vena artistica da sua madre, creatrice di moda, si forma in pittura alla scuola del pittore italo-venezuelano ‘Don Pedro’. Inizia la sua attività espositiva con una personale a Gioia del Colle nel 1976. Per la grafica si avvale degli insegnamenti di Maria Bellomo, docente di incisione alla Accademia di Belle Arti di Bari, e Marisa Salomone, presso le cui stamperie dal 1980 ad oggi ha eseguito oltre quaranta titoli tra acqueforti, acquetinte, serigrafie e linoleografie.

Al suo attivo ha oltre 50 personali in Italia e all’estero e partecipazioni a concorsi di livello nazionale e internazionali con riconoscimenti significativi.

Sue opere figurano in collezioni pubbliche e private.

Nel 1996 con altri artisti ha fondato il movimento “Terzo Millennio” aspetti d’arte contemporanea.

Nel 2011 è stato invitato alla 54^ Biennale di Venezia.

Nel corso degli anni, la sua ricerca si è estrinsecata nei cicli:

1983-1984 Nuvole barocche 

1985-1986 Tele tagliate

1987-1989 Finestre

1987-1989 Le porte del tempo 

1992-1998 Tracce

1995-1998 Trasparenze 

1998 - 2018  Iperpop 

2018  FLOW ART 4. 0

www.nicolamorea.com

Recensione Critica 

Nella nuova attuale serie e tecnica di dipinti fluidi (Flow Art) di Nicola Morea, l'esposizione di forme e colori è riunita dalla mano dell'artista ma manipolata attraverso forze della natura. 

Alcuni dipinti sono filati o scossi, mentre altri si basano su reazioni tra i materiali, o sulla loro gravità per consentire al dipinto di formarsi quasi da solo.

I dipinti sono costituiti da molti strati di pittura, ognuno dei quali crea la propria superficie astratta fluente lasciata aperta all'interpretazione da parte dello spettatore.

Nicola dipinge per mettere lo spettatore davanti al suo lavoro in un diverso stato di coscienza. 

Il suo obiettivo finale è usare una sorta di lancio d’incantesimi per aprire il subconscio. 

Se le sue forme astratte possono far sentire un po’ a disagio, allora la magia sta facendo il suo lavoro. 

La maggior parte del lavoro di Morea è musica, tutto è colore.

La sua arte è astratta semplicemente perché il mondo è complicato e potenzialmente senza limiti e questo è ciò che dovrebbe essere l'arte.

Realizza quadri unici con una varietà di mezzi, tra cui colori acrilici fluidi, resina e inchiostri alcolici. 

Riassume così "la spontanea liberazione fisica nello spazio, la quasi caotica maneggevolezza del colore" come antidoto al "nostro mondo di lavoro organizzato, strutturato, pesante ".

Oggi dunque preferisce la resina, inchiostri a base di resine epossidiche per soddisfare il suo impetuoso processo di lavoro. 

Con questa nuova energia arriva il coraggio di approfondire i nuovi mezzi, e dopo mesi passati a sperimentare è rinato a nuova vita!

Funghi fantastici spuntano su un boschetto ombroso, promettendo di trasformarsi ancora se si resta a contemplare, un secondo più lungo.

Gli oceani esplodono con meduse e barriere coralline, che tentano di immergersi più a fondo.      

Flora e fauna si fondono come una cosa sola nella nuova serie: nature sospese, mondi fantastici, magma luccicanti… così ispirato nelle forme, dalla luna, dalle rocce, dai minerali, dai cristalli, dall’acqua …

I pigmenti hanno caratteristiche diverse, e Morea consapevole di tutto ciò, usa la viscosità degli acrilici fluidi per sfruttare il loro potere di attrarre o respingersi a vicenda mentre si contendono la posizione in un viaggio fluente di modelli in evoluzione. 

L'energia esplosiva dei rosa e dei rossi caldi e lentamente in via di sviluppo ,di blu e verde sono resi vivi in ​​ricette accuratamente miscelate. 

Le microimmagini risultanti sembrano direttamente correlate ai modelli trovati in tutto il mondo naturale.

L'arte è la parola e presto l’Artista si è ritrovato ipnotizzato da ciò che poteva essere.

Il suo terzo occhio è oggi su un altro livello, un nuovo spazio di creazione, carico alla velocità della luce con manifestazioni visive diverse da qualsiasi altra cosa avessi mai sperimentato prima.

Questo è di là dalla psichedelia, o del film fantasy, o qualsiasi sforzo per meditare e creare una sorta di senso del cosmico.

L'approccio di Nicola Morea alla sua arte è libero e intuitivo, un processo che implica una stratificazione complessa di colori e trame che creano l'illusione di più livelli e dimensioni.

Il risultato finale - un potente riflesso dell'ispirazione che raccoglie dalla bellezza che vede nel mondo che lo circonda e dall'interconnessione di tutte le cose. 

Quando dipinge, ottiene una visione completamente nuova del mondo. Ombre, luci, forme, colori ... Tutto è come nuovo ed è in continua evoluzione…la creazione e la vita sono insieme in una danza eterna.

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico di QueenArtStudio Gallery

 28 Dicembre 2018

Queenartstudio Gallery vi aspetta il 12 Gennaio 2019 alle ore 18 in Riviera Tito Livio 75 a Padova per l'inaugurazione CON APERITIVO dell'Esposizione Personale di alcune Opere di Uma Aslam

'Con il suo colore e linguaggio formale, sforzandosi per raggiungere l'armonia, Uma Aslam riconcilia emozione e ragione in una tavolozza colorata di una bella brillantezza. 
Cercando e scoprendo, sposta il figurativo in astratto o, l'astratto nel figurativo, cerca i confini e poi li nega.
Uma vuole condividere questa esperienza sublime con noi. Guardare e assorbire la sua arte ci dà la sensazione di essere a posto. 
I suoi dipinti, esposti qui, non sono imitazioni della realtà, ma un mondo in sé come una registrazione visiva dell'interazione tra casualità e controllo.
Quindi quel "qualcosa" che suggerisce la prossima cosa, e la successiva, e così via, finché non emerge una sorta di logica interna espressiva. 

La sua arte ci fa meraviglia e determina il nostro punto nello spazio. Poi arriva l'emozione e il desiderio che automaticamente si trasforma in necessità di vedere oltre. 

Uma ha portato avanti con saggezza artistica e matematica forme sia gentili che fortemente plasmate che impregnano i suoi dipinti di riflessioni. 
Con le sue regole misurate per la luce e il suo rispetto per il colore, l’Artista ha un ruolo importante nella composizione e nella cura dei dipinti che ispirano veramente. 
I dipinti di Uma chiamano gentilmente i loro spettatori.
Sono astrazioni sussurrate, astrazione a volte senza descrizione ma, affascinano come eleganti sillabe in poesie dipinte con delicatezza. 
Non cerca di scandalizzare o di ammaliare con gesti raffinati, né di ingannare con il fascino dei fiori. La vernice raggiunge la sua tela come una ricca nebbia di tinte per giocare nell'aria briosa.
Una possibile imprecisione dei confini stuzzica l'incertezza, ma i colori respiranti che sembrano macchiati di nuovo ricompensano le nostre attenzioni ancora e ancora.

Il suo lavoro descrive ampi orizzonti, grandi cieli, specchi d'acqua e forme del terreno. Raccoglie una serie infinita di scene ispirate e le rilascia sulla sua tela in semplici e sottili rendering che rapidamente congelano il momento nel tempo e lasciano una registrazione pittorica di un processo poetico.
Le sue scene sono orizzonti senza luogo in cui lo spettatore può trascendere psicologicamente. 
Con le linee fluide e il colore che cambia lentamente, evoca sospiri meditativi. Morbido e sofisticato, il suo modo di essere naturale in cui sintetizza le nozioni di colore della realtà. Suggerisce ottimismo attraverso la cattura di ciò che è bello in natura

Con la Luce e l’ ombra approfondisce e trasmette l'impressione di tridimensionalità. 
In alcuni dipinti con la geometria frattale modula liberamente lo spazio di luce, portando i ritmi e le forme le dimensioni come casualmente disposti…

Gli oggetti dell'immagine visiva, diventano segni, concetti spirituali, e hanno un significato poeticamente simbolico, qualcosa da comunicare e da raccontare…. 

Maria Grazia Todaro Art Director e Critico 20-09-2018'

QUANDO:dal martedì al sabato dalle ore 16.30 alle 19.30 fino al 24 Gennaio 2019


ENGLISH

Queenartstudio Gallery awaits you on January 12, 2019 at 18.00 in Riviera Tito Livio 75 in Padua for the inauguration of the Personal Exposition of some Works of Uma Aslam

'With her colour and official language, which make her force to reach balance, Uma Aslam reconciles emotion and reason in a coloured palette with a beautiful brilliance. 
By looking for and by discovering, she moves the figurative into the abstract and vice versa, she looks for borders and then she denies them. 
Uma wants to share this lofty experience with us. To look and to absorb her art give us feeling to be all right. 
Her pictures here exposed, are not reality’s imitations. They represent a world in itself just like a visual recording of interaction between chance and control. 
Therefore, that “ one thing” that suggests the next thing, the further one and so on up to reach a sort of internal expressive logics. 

Her art wonders us and determines our point in space. Then there are emotion and desire which automatically turn into need of seeing beyond. 

Uma has pursued with an artistic and mathematics wisdom forms both kind and strongly shaped which soak of meditations her pictures. 

For her rules tailored for light and her respect for colour, the Artist has an important role in pictures’ composition and care which really inspire.

Uma’s pictures kindly call their spectators. 
It is about whispered abstractions , sometimes without any description but they attract to see how elegant syllables in poetries painted with sensitivity. 

She does not try to shock or to glamour with refined movements, nor to deceive with flowers fascination. Varnish reaches her canvas as a thick fog of colours to play at the perky air. 

An eventual inaccuracy of borders teases incertitude, but breathing colours which seem to be stained again reward our attention again and again. 

Her work describes wide horizons, great skies, bodies of water and land forms. She collects an infinite range of inspired scenes and release s them on her canvas in simple and subtle renderings which rapidly freeze as time passes and leave a pictorial recording of a poetic process. 

Her scenes are horizons without any place where spectator can psychologically go beyond. With fluid lines and colours which slowly changes, she evokes meditative sighs. Her way of being natural is soft and sophisticated. She hence summarises notions of colour in reality. She suggests optimism through capturing what is beautiful in nature. 

With light and shadow she deepens and transmits feeling of three-dimensionality. 

In some of her pictures, with fractal geometry she freely shakes space for light, by bringing to rythms and forms those dimensions as they had casually been provided…

Objects of visual image become signs, spiritual concepts, and have a poetically symbolic meaning, something to comunicate and to tell… 


Maria Grazia Todaro Art Director and Critic 20-09-2018'

WHEN: Tuesday to Saturday from 16.30 to 19.30 until 24 January 2019

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NU-INCANTAMENTI ALCHEMICI
Esposizione delle Opere di PATRIZIA CONDINI

Dal 26 Ottobre al 9 Novembre 2018
Inaugurazione 26 Ottobre ore 18 con Aperitivo Artistico 


Queenartstudio Gallery Riviera Tito Livio 75 -Padova
www.queenartstudio.it
queenartstudiopadova@gmail.com

Patrizia Condini nei suoi dipinti coglie le molteplici sensazioni della sua anima . 
Ispirata da momenti che si sono "bloccati" nella sua memoria, l'Artista crea Opere emozionanti usando palette di colori accattivanti e audaci.
Ogni pittura mostra il profondo fascino per la libertà : un concetto che associa fortemente con il suo interesse per i "processi complessi che avvengono sia all'esterno che all'interno" di ogni essere umano.
Oltre ad esplorare cosa vuol dire essere un individuo libero, Patrizia usa anche i suoi dipinti di grandi dimensioni come sbocco per la propria auto-espressione: "La mia arte riflette il mondo che percepisco con tutti i miei sensi", spiega. "Le persone che incontro e amo; la natura che ammiro; e tutte le cose che influenzano il modo in cui sono. "
Ha sempre saputo che vuole creare. Quando era una bambina era affascinata dall'arte ampiamente definita. Ha sognato di creare, non distruggere. Non ha scelto la pittura. La pittura stava scegliendo lei.
Dipinge con tutto ciò che gli cade nelle mani, a volte con un pezzo di cartone, a volte con delle fotografie. Dipinge per lo più con le mani appunto ,e nasconde pensieri intimi, lettere, parole frasi tra i colori prepotenti e passionali.
Lo stile del suo dipinto è difficile da specificare. Ma penso che lo stile di Patrizia non abbia un nome, nessun confine. Ha una sua espressione o carattere, come ogni stile.
Su ogni tocco di tela, la vernice lascia una scia. La traccia dipende dalla pressione sulla vernice, dall'angolo di inclinazione, dalla densità, dalla quantità utilizzata e soprattutto dall’intensità del suo sentimento in quel preciso momento.
L'uomo guarda costantemente il tempo. Guarda l'orologio, vive di ora in ora. E questo la spaventa.. Ecco perché cerca di catturare il tempo nei suoi dipinti.
Dipingendo velocemente, corre contro il tempo. Una sfida surreale.
Ferma il tempo, un frammento di secondo e, fermando il tempo nella sua immaginazione si sente totalmente libera, come se fosse immersa nell'Oceano. 
E questa sensazione la dipinge sulla tela dove lascia pezzi di sé . 
‘NU’ (intercalare ebraico che ritroviamo in due sue Opere) la spinge ad andare avanti , oltre ….
Definire la sua Arte alchemica, significa definire la sua arte operativa, fatta di conoscenza e teorie filosofiche: una sorta di microcosmo all’interno del quale agisce quasi fosse la legittima seguace dei processi naturali di trasformazione, usando un linguaggio costituito da codici, alfabeti segreti, segni criptografici, ma anche da figure antropomorfe , che ci restituiscono una visione dell’Arte e dell’Artista come emulo di Dio.

Dieci delle sue Opere sono dedicate infatti alla Sefirot Ebraica 
Le Sefirot corrispondono ad importanti concetti metafisici ,sono dieci principi basilari, riconoscibili nella molteplicità disordinata e complessa della vita umana, capaci di unificarla e darle senso e pienezza.
Inoltre, esse sono anche associate alle situazioni pratiche ed emotive attraversate da ognuno di noi, nella vita quotidiana. 

Nell’Arte di Patrizia Condini c’è quindi questo grande riferimento legato alla sua passione per la cultura ebraica ,di cui la Kabbalah è una delle espressioni più note ed allo stesso tempo più sconosciute. 
Quello del misticismo ebraico è un mondo molto complicato. Gli studi fatti in questo senso le hanno permesso di avventurarsi alla scoperta dell’albero della vita e della Sefirot : i dieci principi vitali che costituiscono una sorta di cosmogonia del mondo divino. 
Allo stesso tempo è, però, anche un viaggio nella psicologia umana, in quanto ognuna di queste Sefirot rappresentano un atteggiamento dell’uomo.
Riceve delle suggestioni da tutta questa tradizione e la traduce in arte attraverso delle creazioni originali. 
Ogni Opera è dunque ispirata ai vari sentimenti e ai vari aspetti della Kabbalah.
Ad esempio la prima Opera “Keter”, che vuol dire corona ma anche testa, si trova in cima all’Albero, è la sfera più celestiale e rappresenta il principio di tutte le cose. 
Per quest’Opera Patrizia ha scelto delle tonalità quasi siderali. Vi sono poi due tipi diversi di conoscenza intellettuale, corrispondenti alla percezione separata dei due emisferi cerebrali: la prima più artistica e intuitiva, la seconda più logica e razionale .
Per queste due Opere Patrizia ha scelto una linearità orizzontale e vivace. Dopo le prime tre Sefirot , vi sono i sei stati emotivi della psiche, tre più intimi (i rossi accesi e gli arancioni intensi)e tre più rivelati, più vicini all'esperienza fisica. Tutti e sei sono generati dall'opposizione fondamentale tra Chesed (Amore) e Ghevurà (Forza), comprensibili anche come attrazione e repulsione. L’ultima Opera, “Malkut” vuol dire terra o piedi è la Sfera più lontana dalla divinità lineare, rivolta soprattutto alle contingenze del mondo fisico e alle sue necessità. Per quest’Opera Patrizia ha scelto una trama più severa . Ha voluto dargli un ritmo verticale e, anche tecnicamente , si è ispirata alla forza del numero.
Nel piano più spirituale le dieci Sefirot diventano le "Dieci Potenze dell'Anima", dieci luci o sorgenti d’energia, che aiutano costantemente la crescita di coloro che sanno connettersi con esse, nel loro cammino di ritorno all'Albero della Vita ed ogni titolo di ogni Opera di Patrizia Condini corrisponde sia nel contenuto che nell’espressione ad ognuna di loro. .


Maria Grazia Todaro Art Director e Critico QueenArtStudio Gallery
Ottobre 2018

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