MOSTRA PERSONALE
'ONIRICAMENTE'
DELL’ARTISTA BELGA
RAPHAEL TIERENS ’RALTI’
INAUGURAZIONE VENERDì 13 SETTEMBRE 2019 ORE 18
PRESENTAZIONE CRITICA DI
MARIA GRAZIA TODARO
L’ARTE ONIRICA DI RAPHAEL TIERENS
Raphael Tierens nasce in Belgio dove tuttora vive ed opera.
Senza economia di studio, s’impegna a scoprire la tecnica dell’olio su tela creando opere di grande fantasia e
astrattismo, per poi passare alla pittura surreale di grande ispirazione musicale e simbolica con citazioni e immagini prese dal passato.
Nonostante sia un pittore autodidatta, il risultato è da subito stupefacente e, di fatto, la sua partecipazione a
numerose collettive raggiunge entusiastici consensi. Come scrisse André Breton, nel Manifeste du surréalisme “Il surrealismo si fonda sull’idea di un grado di realtà superiore connesso
a certe forme di associazione finora trascurate, sull’onnipotenza del sogno, sul gioco disinteressato del pensiero. Tende a liquidare definitivamente tutti gli altri meccanismi psichici e a
sostituirsi ad essi nella risoluzione dei principali problemi della vita.”
Gran parte del suo lavoro evoca l'osservazione visiva, il commento, un significato nascosto. Produce un lavoro
meticoloso e fluente.
La sua opera d'arte è l'estensione dei suoi processi di pensiero interiore e percezioni del mondo intorno a
lui. Ha un forte desiderio di trasmettere la bellezza e la spiritualità del mondo naturale.
Dipinge principalmente con colori ad olio Usa colori tenui e movimenti energici, dipinge con passione e
cura. Ogni pezzo è unico e parla da solo.
L'argomento varia e di solito racconta una storia.
Raphael continua ad esplorare e crescere con l'arte, rendendo il mondo, un posto migliore dove dipingere. Trae
stimoli dalla bellezza della creazione di Dio nelle sue diverse forme ed espressioni.
Le sue ispirazioni sono varie: natura, animali, musica, manoscritti, bellezza, colore, alberi, sogni, spiritualità
e storia dell'arte.
Connesso e appassionato durante la creazione, raccoglie idee per nuove opere d'arte che raccontano la sua vita onirica.
Riciclando idee dalle opere d'arte passate, il suo dipinto diventa un altro progetto, aprendo le porte a una nuova
creatività.
Sperimentando, esprime il suo amore per il colore e la passione per la pittura.
Natura e spiritualità sono parte della sua visione tanto quanto il suo amore per la forma umana.
Si può definire un viaggiatore interiore, che esplora il mondo inconscio misterioso ed veramente
complesso.
Nella vita reale e nella sua arte, non gli importa delle convenzioni e dei tabù, non ci sono Meme sacri che non possono
essere toccati. I suoi dipinti sono meditazioni profonde piene di simboli sulla vita e sulle tendenze e reazioni più intime ... non necessariamente per creare qualcosa che piace alla maggior
parte delle persone, ma per aprire una finestra su immagini impossibili da dimenticare.
Raphael oggi sa che il suo scopo primario è di riuscire a trasmettere le stesse emozioni che egli prova osservando
quello che lo circonda ma trasfigurato dalla sua immaginazione, per questo riesce a lasciare un’impronta di se stesso nel tempo, continuando così ad appoggiare il pennello sulle sue tele con grande
passione ed immensa dolcezza.
Maria Grazia Todaro Critico d’Arte e Gallerista -Settembre 2019
http://www.queenartstudio.it/pagine-d-artista/ralti-tierens-raphael/
LA MOSTRA SARA' VISITABILE DALMARTEDì AL SABATO DALLE ORE 17 ALLE ORE 20 E LA DOMENICA DALLE ORE 18 ALLE ORE 20
INGRESSO LIBERO
PER INFO QUEENARTSTUDIOPADOVA@GMAIL.COM TEL 3346447738
‘Eden’ Esposizione Personale delle Opere dell’’Artista Rossana Melai
Presentazione :
Un mondo originale, quello di Rossana Melai
Prima della caduta dell’Eden, mentre ci si crogiola nel bagliore di un paesaggio senza ostentazioni, che richiama in vita instancabilmente come un Mantra il paradiso terreno, per spingere la follia
degli uomini verso una quiete sublime.
Ed è lì, in quella quiete, che si distingue qualcosa legato al dinamismo universale, immaginando le leggi della crescita, e dietro di loro, la profonda unità biologica e forse un giorno pascolando,
l'alchimia dell'anima.
Padova è l'ambiente in cui si produce la maggior parte delle sue Opere dove dunque, rappresenta la natura, che sovente è il suo tema principale. L’acrilico è il mezzo che riempie, che modella come se
fosse un impasto ad olio, fatto di pigmenti puri e audaci nel colore e che incarna le proprietà specifiche della spontaneità del suo stile come Pittrice.
Le sue Opere riferiscono leggere scene di giardino, spazi della natura incontaminati dall’uomo dove l’uomo ne è consapevole fautore, nella sua esaltazione, invitando lo spettatore a fuggire dai
rumori e dal caos e a scoprire ciò che è nascosto in quel remoto luogo floreale perduto. Nella nostra società che deve evolversi così in fretta, all’Artista piace l'idea di fermarsi per isolare un
fiore nella semplicità del primo giorno di nascita e restare lì, in una gioiosa contemplazione nell’immaginario di piccoli angoli nascosti
Il suo stile è descrittivo e l'uso vivace del colore è unico nel suo genere, i fiori sono la sua materia preferita, ma dipinge anche una varietà di soggetti, combinando uno stile realistico, a un
tocco di fantasia.
Rossana Melai ama la produzione di dipinti di grandi dimensioni, ma anche le sue Opere più piccole sono gemme. . Nelle sue opere rappresenta principalmente fiori, dipinti in modo sempre diverso –
rigogliosi, esotici, rari, selvaggi, di prato, di campo – ma troviamo anche giardini, prati, scorci lacustri, marine; la natura è comunque sempre l’unica protagonista. I fiori hanno colori squillanti
e crescono rigogliosi a ciuffi e a cespugli, conquistandosi uno spazio da protagonisti. L’acqua di mare, di fiume di torrente è cristallina e pare di cogliervi i profumi salmastri, mentre le immagini
lacustri e i suoni e gli echi dei boschi suscitano serenità e i ruscelli pare gorgoglino. La realtà è rappresentata con freschezza e vivacità cromatica e, come l’artista stessa afferma, non cerca di
imitare la natura, ma di cogliere in essa uno stimolo per ricerca cromatica.
Ama l’asserzione di Van GOGH che dice che l’Artista deve rivolgersi alla Natura che è maestra e tiene presente Aristotele quando afferma ‘Alcune cose che la natura non sa fare, l’arte fa, altre
invece le imita’.
Il suo lavoro è una miscela di ritmo, forme vegetali, spiritualità radicata sullo sviluppo di una poesia visiva.
Dr.ssa Maria Grazia Todaro
Bio
Rossana Melai, originaria di Padova, ha dedicato la sua vita all’arte. Diplomatasi all’Istituto Magistrale durante gli studi ha conseguito il diploma di Maestra
d’Arte per l’arte delle ceramiche ad Este dopo una formazione precedente da maestri ceramisti nelle Marche. Si laurea in lettere all’Università di Padova e intraprende la carriera d’insegnante di
educazione artistica nelle scuole secondarie approfondendo a piene mani il suo grande amore per la disciplina. Dipinge dal 2008 e nello stesso anno ha presentato la sua prima mostra a Teolo, nel
Palazzetto dei Vicari. Negli ultimi anni ritorna alla sua prima formazione artistica producendo in particolare vasi artistici smaltati o in maiolica con una visione personale ed unica sia per
manualità esecutiva ed espressiva. Ha esposto in numerose città italiane e ultimamente a Barcellona
11-26 Maggio 2019
Inaugurazione con Aperitivo Artistico
Sabato 11 Maggio ore 18
QueenArtStudio Gallery Riviera Tito Livio 75
-35100 Padova tel 3346447738
h mart-ven 16.30-19.30 dom 10.30/12.30-16.30-19.30
IL 6 APRILE 2016 QUEENARTSTUDIO GALLERY
inaugura le personali degli Artisti Elena Borboni e Vincenzo Biavati
Un connubio che tra due Artisti che attraverso
i colori e la luce esprimono entrambi ,con tecniche completamente differenti e , in due ambienti distinti della Galleria, un inno alla vita.
Le Opere resteranno in esposizione presso QueenArtStudio Gallery fino al 30 Aprile, escluso il periodo delle vacanze
pasquali
La Mostra sarà visitabile dal martedì al sabato dalle ore 16.30 alle 19.30
Inaugurazione con Aperitivo Artistico il 6 Aprile 2019 alle 18.00
Riviera Tito Livio 75 a Padova –Ingresso Libero
Gli Artisti saranno presenti all’Inaugurazione.
MariaGrazia Todaro Art Director di QueenArtStudio Gallery
Riviera Tito Livio 75-35100 Padova
www.queenartstudio.it
queenartstudiopadova@gmail.com
tel 3346447738
ELENA BORBONI
Al piano superiore della Galleria si potranno ammirare le Opere Pittoriche di Elena Borboni.
La “missione” di Elena consiste nell’esprimere l’elemento eterno della vita, nel liberare la bellezza essenziale della natura e sentire attraverso il colore.
Le sue Opere sono un’insieme di raffigurazioni ove la sfera racchiude un movimento ciclico di rinnovamento per esprimere il “SE”.
Le simbologie delle rose, dei soffioni, degli alberi, ci inebriano di interminabili racconti, manifestati con generosità dall’artista, che osserva e narra con orgoglio il senso dell’immanenza della
vita, mettendola ogni volta in scena, divenendo parte inscindibile del mistero in essa contenuto.
Nel suo incedere creativo, nulla è elemento casuale, ma un’abbracciare il proprio sentire, un rappresentare la continuità dei cicli vitali.
In questo contesto persuasivo essa diventa l’apoteosi della serena gioia del profondo radicamento tra noi e la natura.
Un linguaggio interiorizzante, una ricerca intima, ma al contempo calcolatissima, che si regge su precise corrispondenze e giustapposizioni di toni, come un brano musicale, sinuosa, armoniosa e
ritmica, partecipe delle sensazioni che la tela intende trasmettere.
Ella sente il “ bisogno – l’esigenza ”, di plasmare, toccare, impastare ed essere in simbiosi, materiale e reale, con la natura stessa, interagire intimamente con il suo quadro, per esprimere un
racconto che trova l’essenza umana in sintonia con la madre terra, in un gioco naturale di nascita, crescita, evoluzione e scoperta di se stessi.
La scelta cromatica predilige tonalità di arcobaleno, ove risulta ben leggibile la visione fantastica della vita.
Da anni espone in numerose mostre personali e collettive, sia in Italia che all’estero, ottenendo notevoli consensi e premi .
VINCENZO BIAVATI
Al grande e suggestivo piano sottostante della Galleria le Opere scultoree luminose e le installazioni cromatiche dell’Artista Vincenzo Biavati
La sua ricerca si manifesta nei suoi lavori, che sono il risultato del grande interesse per la luce in tutte le sue espressioni.
La luce, il colore e i riflessi rappresentano la riscoperta della vita “perché spesso vediamo il buio e il nero come assenza di colore, mentre invece con l’utilizzo
sapiente della tecnologia luminosa possono diventare luce sfolgorante e opere d’arte”, spiega l’artista domandando al proprio pubblico: “a chi non piacciono i luccichii delle faville, i riflessi
degli Swarovski, i colori dell’arcobaleno?”.
Vincenzo Biavati li va a cercare o li crea, anche recuperando materiali di consumo quotidiano, e con raffinati interventi di riciclo, li realizza e li amplifica come icone della sua
sperimentazione.
Sul tema della luce ha proseguito il suo percorso artistico, progettando sia grandi installazioni site specific,sia piccole e raffinate opere.
Di lui Paolo Levi ha scritto: Le opere di Vincenzo Biavati sono composizioni sperimentali realizzate con un linguaggio originale che si sviluppano nello spazio creando
istallazioni fatte di materia, luce e colore.
Un mondo poetico, fatto di cromatismi con led soffusi immersi in luoghi metafisici che creano atmosfere sospese e incantate.
Potenti fasci di luce squarciano il buio regalandoci esperienze sensoriali inedite: proprio la luce è la protagonista di queste opere, la cui forza
gene ratrice e vitale partecipa attivamente alla costruzione delle immagini.
Vincenzo Biavati ha esposto in numerose sedi nazionali e interazionale e non ultimo il suo approdo in America
PAOLO RONZANI-NEL CUORE DELLA MADRE TERRA
Pittore e scultore, si forma presso il Centro Maschere e Strutture Gestuali del Maestro Donato Sartori, dove inizia la
sua ricerca come scultore. Affascinato dall’impronta lasciata dalle trame dei tessuti, inizialmente lavora con il gesso e le velature ad olio per arrivare in seguito alla ceramica Raku e agli
spettacolari effetti degli ossidi e delle cristalline.
Il fuoco Raku è uno dei processi di ceramica più eccitanti e gratificanti. Ci sono così tanti fattori che
determinano il risultato dell’Opera come per es. la temperatura di cottura, la condizione termica esterna del momento, quanto tempo è tenuto il pezzo nelle fiamme e con quanta velocità ottieni le
fiamme …ecc.. Una tecnica che richiede conoscenza e capacità, e sicuramente inventiva..
La passione di Paolo per il materiale e la sua storia, così come la sua infinita sete di conoscenza, hanno ispirato il
suo attuale modello di produzione. Le sue Opere sono esclusive sia per le tecniche inedite elaborate, sia perché ispirate da personali esperienze interiori, sogni, e viaggi
sciamanici.
Nello spirito tradizionale di trasformazione, ha sentito il forte desiderio di andare verso nuovi orizzonti, di
conoscere e lavorare con le diverse tecniche di produzione e i prodotti finali della ceramica, così come i grandi maestri del loro mestiere.
Alcuni viaggi in luoghi con una storia di ceramiche millenarie hanno completato la sua
ispirazione.
Grazie alla diversità delle sue esperienze, l’Artista è stato in grado di sviluppare un suo metodo molto personale con
l'obiettivo di trasferire le vecchie conoscenze nella nuova generazione e nel tempo.
Impronte digitali, segni di graffi e scanalature di torsione non sono ritoccati, ma restano come segno di
autenticità!
Le indicibili variazioni interiori formano paesaggi, figure, animali, maschera Maya che si muovono nel
tempo.
Parte di questa serie Maya è stata costruita con frammenti a volte geometrici a volte irregolari tagliati e inseriti su
uno sfondo in plexiglass nero che simboleggia il cosmo nel quale l’Artista si perde .
Ogni Opera incorpora alcuni pezzi colorati che danno il punto di partenza per esplorare un grigio monocromatico come
segno del tempo che ci trasporta in un’epoca lontana di misticismo tipico di un popolo affascinante come quello dei Maya
Il grigio trasporta intrinsecamente l'evanescenza dei colori nella sua energia pittorica e qui traduce il liquido, il
gas, la materia e le sensazioni in movimento. Il contrasto del grigio e del colore presente in questa serie evoca spazi-temporali tra sogno e realtà.
Il materiale, dipinto, è graffiato, posizionato leggermente in maniera asimmetrica, la linea è sinuosa e le spire
portano il movimento. Lo sguardo è libero di navigare, aggrapparsi ai difetti o allontanarsi verso l'orizzonte.
L'evanescenza è un caos silenzioso.
Il punto di partenza è un incontro umano immortalato dal lavoro modellato.
La domanda è per l'Artista di interrogarsi e interrogare gli altri sui sentimenti di empatia, rivolta, passione, tempo,
che animano la nostra umanità.
La presenza di sagome umane a volte a grandezza naturale è un contributo all'opera che riecheggia il soggetto nello
spazio. Lo spazio è galleggiante, scandito, prospettico e riflette la fuga della persona nel sogno, la fuga dalle vicissitudini quotidiane.
Ogni scultura è intrisa di un colore diverso, estratto dalla realtà dell'opera e i colori brillanti e nitidi sono l’eco
della nostra realtà urbana.
IL lavoro di Paolo si concentra sul singolo di fronte a se stesso e agli altri attraverso i temi dell'identità,
l'esilio, la solitudine urbana, intime variazioni emotive, sogni, misticismo, sciamanismo come credenze, pratiche religiose, tecniche magico-rituali della storia che attraverso gli spiriti
ultraterreni determinano la sorte e gli avvenimenti più terreni, astrazioni temporali come testimonianza di varie ere evolutive degli esseri viventi...
Maria Grazia Todaro Art Director e Critico QueenArtStudio Gallery
Padova 21-03-2019
presenta la mostra 'MITI E UTOPIE' dedicata all’Artista cubano José Luis Lorenzo Díaz, meglio noto come
Lorenzo (1976, Pinar del Río, Cuba). dal 15 Febbraio al 2 Marzo 2019
L’Artista Si è laureato presso la Scuola Professionale di Arti Plastiche di Pinar del Río Carlos Hidalgo [Scuola Professionale di Arti Plastiche Carlos Hidalgo] e
membro dell'Associazione Hermanos Saíz e dell'UNEAC [Unione degli Scrittori e Artisti di Cuba].
Il contributo artistico di Lorenzo ha uno sfondo sociale e si concentra sugli aspetti culturali, ecologici, sociali e politici della vita cubana. Secondo Amalina
Bomnin nel suo articolo "La mia maschera quotidiana", la sua opera rivela un profondo interesse per il mito e temi legati all'insularità e all'utopia, concentrandosi sulla responsabilità
dell'individuo nell’ ostacolare le possibilità utopiche: autocensura , indolenza, mancanza di senso di appartenenza e altre tendenze che rovinano la speranza di una società migliore.
Il lavoro di Lorenzo è caratterizzato dall'uso della materia naturale, a volte di natura scatologica; il suo utilizzo di sangue, sterco animale, materiali
riciclati, terra, iuta, tronchi di palma, gli permettono di riflettere sugli aspetti precari della vita e della produzione artistica.
I suoi dipinti sono sempre intensamente drammatici.
Lorenzo ha partecipato a oltre 140 mostre collettive a Cuba, in America Centrale e in Europa. Ha avuto 17 mostre personali e 24 premi nazionali.
Artista indipendente, il suo lavoro comprende sculture, murales, stampe, grafica, pittura e installazione.
È stato membro della giuria in prestigiosi eventi artistici nazionali e regionali.
Per ulteriori informazioni sul lavoro di Lorenzo, vedi http://jose-luis-lorenzo.artelista.com/
La mostra organizzata da QueenArtStudio ha intenzione di mostrare attraverso l’arte di Josè Luis Lorenzo Diaz internazionali le problematiche sociali e culturali
del Mondo Cubano
La Mostra sarà visitabile dal martedì al sabato dalle ore 16.30 alle 19.30
Inaugurazione con Aperitivo Artistivo il 15 febbraio 2019 alle 18.00 Riviera Tito Livio 75 a Padova –Ingresso Libero. L’Artista sarà presente
all’Inaugurazione.
MariaGrazia Todaro Art Director
Riviera Tito Livio 75-35100 Padova
queenartstudiopadova@yahoo.com
tel 3346447738
https://www.facebook.com/events/749464885435661
https://plus.google.com/u/0/events/ce93q45e8449g2h5brqnj00tmeg
MOSTRA PERSONALE DELLE OPERE FLOW DELL'ARTISTA
NICOLA MOREA
'INCANTESIMI DEL SUBCONSCIO'
BIOGRAFIA
Nicola Morea pittore e incisore professionista, nato a Bari il 16 agosto 1943, risiede ed ha il suo studio a Mola di Bari – Via E. Toti,36/A.
Eredita la vena artistica da sua madre, creatrice di moda, si forma in pittura alla scuola del pittore italo-venezuelano ‘Don Pedro’. Inizia la sua attività
espositiva con una personale a Gioia del Colle nel 1976. Per la grafica si avvale degli insegnamenti di Maria Bellomo, docente di incisione alla Accademia di Belle Arti di Bari, e Marisa Salomone,
presso le cui stamperie dal 1980 ad oggi ha eseguito oltre quaranta titoli tra acqueforti, acquetinte, serigrafie e linoleografie.
Al suo attivo ha oltre 50 personali in Italia e all’estero e partecipazioni a concorsi di livello nazionale e internazionali con riconoscimenti
significativi.
Sue opere figurano in collezioni pubbliche e private.
Nel 1996 con altri artisti ha fondato il movimento “Terzo Millennio” aspetti d’arte contemporanea.
Nel 2011 è stato invitato alla 54^ Biennale di Venezia.
Nel corso degli anni, la sua ricerca si è estrinsecata nei cicli:
1983-1984 Nuvole barocche
1985-1986 Tele tagliate
1987-1989 Finestre
1987-1989 Le porte del tempo
1992-1998 Tracce
1995-1998 Trasparenze
1998 - 2018 Iperpop
2018 FLOW ART 4. 0
www.nicolamorea.com
Recensione Critica
Nella nuova attuale serie e tecnica di dipinti fluidi (Flow Art) di Nicola Morea, l'esposizione di forme e colori è riunita dalla
mano dell'artista ma manipolata attraverso forze della natura.
Alcuni dipinti sono filati o scossi, mentre altri si basano su reazioni tra i materiali, o sulla loro gravità per consentire al
dipinto di formarsi quasi da solo.
I dipinti sono costituiti da molti strati di pittura, ognuno dei quali crea la propria superficie astratta fluente lasciata aperta
all'interpretazione da parte dello spettatore.
Nicola dipinge per mettere lo spettatore davanti al suo lavoro in un diverso stato di coscienza.
Il suo obiettivo finale è usare una sorta di lancio d’incantesimi per aprire il subconscio.
Se le sue forme astratte possono far sentire un po’ a disagio, allora la magia sta facendo il suo
lavoro.
La maggior parte del lavoro di Morea è musica, tutto è colore.
La sua arte è astratta semplicemente perché il mondo è complicato e potenzialmente senza limiti e questo è ciò che dovrebbe essere
l'arte.
Realizza quadri unici con una varietà di mezzi, tra cui colori acrilici fluidi, resina e inchiostri
alcolici.
Riassume così "la spontanea liberazione fisica nello spazio, la quasi caotica maneggevolezza del colore" come antidoto al
"nostro mondo di lavoro organizzato, strutturato, pesante ".
Oggi dunque preferisce la resina, inchiostri a base di resine epossidiche per soddisfare il suo impetuoso processo di
lavoro.
Con questa nuova energia arriva il coraggio di approfondire i nuovi mezzi, e dopo mesi passati a sperimentare è rinato a nuova
vita!
Funghi fantastici spuntano su un boschetto ombroso, promettendo di trasformarsi ancora se si resta a contemplare, un secondo più
lungo.
Gli oceani esplodono con meduse e barriere coralline, che tentano di immergersi più a
fondo.
Flora e fauna si fondono come una cosa sola nella nuova serie: nature sospese, mondi fantastici, magma luccicanti… così ispirato
nelle forme, dalla luna, dalle rocce, dai minerali, dai cristalli, dall’acqua …
I pigmenti hanno caratteristiche diverse, e Morea consapevole di tutto ciò, usa la viscosità degli acrilici fluidi per sfruttare il
loro potere di attrarre o respingersi a vicenda mentre si contendono la posizione in un viaggio fluente di modelli in evoluzione.
L'energia esplosiva dei rosa e dei rossi caldi e lentamente in via di sviluppo ,di blu e verde sono resi vivi in ricette
accuratamente miscelate.
Le microimmagini risultanti sembrano direttamente correlate ai modelli trovati in tutto il mondo naturale.
L'arte è la parola e presto l’Artista si è ritrovato ipnotizzato da ciò che poteva essere.
Il suo terzo occhio è oggi su un altro livello, un nuovo spazio di creazione, carico alla velocità della luce con manifestazioni
visive diverse da qualsiasi altra cosa avessi mai sperimentato prima.
Questo è di là dalla psichedelia, o del film fantasy, o qualsiasi sforzo per meditare e creare una sorta di senso del
cosmico.
L'approccio di Nicola Morea alla sua arte è libero e intuitivo, un processo che implica una stratificazione complessa di colori e
trame che creano l'illusione di più livelli e dimensioni.
Il risultato finale - un potente riflesso dell'ispirazione che raccoglie dalla bellezza che vede nel mondo che lo circonda e
dall'interconnessione di tutte le cose.
Quando dipinge, ottiene una visione completamente nuova del mondo. Ombre, luci, forme, colori ... Tutto è come nuovo ed è
in continua evoluzione…la creazione e la vita sono insieme in una danza eterna.
Maria Grazia Todaro Art Director e Critico di QueenArtStudio Gallery
28 Dicembre 2018
Dal 19 Gennaio al 2 febbraio 2019
dal martedì al sabato ore 16.30-19.30
Critic review of Nicola Morea: ‘ Enchantments of Subconscious’
In Nicola Morea’s actual series of fluid paintings exhibit of forms and colours is put together by the artist’s hand but
it is mixed through forces of nature.
Some of his paintings are continuous or shaken, whereas some other ones are based on reactions among materials, or on
their gravity to let the painting be almost formed for itself.
Paintings are made up of many layers of paint, each of them creates its flowing abstract surface which leaves enough
space for the audience’s interpretation.
Nicola paints to put audience in front of his work in a different conscious state.
His final goal is to use a sort of launch of enchantments to open its subconscious.
If his abstract forms are able to make feel a little bit uncomfortable, this means magic is doing its
work.
Most of Morea’s work is music, everything is colour.
His art is abstract simply because the world is complicated and potentially limitless. This is what art should have to
be.
He realizes unique paintings with a selection of means, among which fluid acrylic colours, resin and alcoholic inks.
He sums up “ natural physical release into the space, almost chaotic manageability of colour” as the cure for “ our
world made up of organized, structured and heavy work”.
Nowadays, he so prefers resin, epoxy resins based inks to satisfy his impetuous working process.
With this new energy he gets courage to develop new means, and after months spent testing he is born into a new
life!
Fantastic mushrooms appear from a small shady wood, promising a new transformation if they are still admired one second
more. Oceans explode with jellyfishes and coral reefs trying to dip more deeply. Flora and fauna melt as one in new series: suspended natures, fantastic worlds, sparkling magma… he is inspired
in forms by moon, by rocks, by minerals, by crystals, by
water…
Pigments have different characteristics, and Morea is aware of this. He uses viscosity of fluid acrylic colours to take
advantage of their power of attraction or mutual repulse while they compete for best position in a fluid trip of evolving models.
The explosive energy of rose shades and of hot red shades and slowly of blue and green ones in development are made
profound in carefully blended receipts. Micro images which result seem directly linked to models found in all the natural world.
Art is word and soon the Artist has been hypnotized by what it could be. His third eye is nowadays on another level, a
new space of creation full of visual exhibitions at the speed of light which are different from any other thing that had ever been tested before.
This goes beyond psychedelia or fantasy movie, or beyond any kind of effort to meditate and create a sort of cosmic
sense.
Nicola Morea’s approach to his art is free and intuitive. It is a process which involves a complex layering of colours
and textures which create illusion of more levels and dimensions.
Final result is a powerful reflection of inspiration which he collects from beauty and which he sees in the surrounding
world and from interconnection of all things.
When he paints, he gets a completely new vision of the world. Shades, lights, forms, colours… Everything is as good as
new and is constantly evolving… creation and life are together in an everlasting dance.
Maria Grazia Todaro Art Director and Critic of QueenArtStudio Gallery
28 December 2018
Queenartstudio Gallery vi aspetta il 12 Gennaio 2019 alle ore 18 in Riviera Tito
Livio 75 a Padova per l'inaugurazione CON APERITIVO dell'Esposizione Personale di alcune Opere di Uma Aslam
'Con il suo colore e linguaggio formale, sforzandosi per raggiungere l'armonia, Uma
Aslam riconcilia emozione e ragione in una tavolozza colorata di una bella brillantezza.
Cercando e scoprendo, sposta il figurativo in astratto o, l'astratto nel figurativo,
cerca i confini e poi li nega.
Uma vuole condividere questa esperienza sublime con noi. Guardare e assorbire la sua
arte ci dà la sensazione di essere a posto.
I suoi dipinti, esposti qui, non sono imitazioni della realtà, ma un mondo in sé come
una registrazione visiva dell'interazione tra casualità e controllo.
Quindi quel "qualcosa" che suggerisce la prossima cosa, e la successiva, e così via,
finché non emerge una sorta di logica interna espressiva.
La sua arte ci fa meraviglia e determina il nostro punto nello spazio. Poi arriva
l'emozione e il desiderio che automaticamente si trasforma in necessità di vedere oltre.
Uma ha portato avanti con saggezza artistica e matematica forme sia gentili che
fortemente plasmate che impregnano i suoi dipinti di riflessioni.
Con le sue regole misurate per la luce e il suo rispetto per il colore, l’Artista ha
un ruolo importante nella composizione e nella cura dei dipinti che ispirano veramente.
I dipinti di Uma chiamano gentilmente i loro
spettatori.
Sono astrazioni sussurrate, astrazione a volte senza descrizione ma, affascinano come
eleganti sillabe in poesie dipinte con delicatezza.
Non cerca di scandalizzare o di ammaliare con gesti raffinati, né di ingannare con il
fascino dei fiori. La vernice raggiunge la sua tela come una ricca nebbia di tinte per giocare nell'aria briosa.
Una possibile imprecisione dei confini stuzzica l'incertezza, ma i colori respiranti
che sembrano macchiati di nuovo ricompensano le nostre attenzioni ancora e ancora.
Il suo lavoro descrive ampi orizzonti, grandi cieli, specchi d'acqua e forme del
terreno. Raccoglie una serie infinita di scene ispirate e le rilascia sulla sua tela in semplici e sottili rendering che rapidamente congelano il momento nel tempo e lasciano una registrazione
pittorica di un processo poetico.
Le sue scene sono orizzonti senza luogo in cui lo spettatore può trascendere
psicologicamente.
Con le linee fluide e il colore che cambia lentamente, evoca sospiri meditativi.
Morbido e sofisticato, il suo modo di essere naturale in cui sintetizza le nozioni di colore della realtà. Suggerisce ottimismo attraverso la cattura di ciò che è bello in
natura
Con la Luce e l’ ombra approfondisce e trasmette l'impressione di
tridimensionalità.
In alcuni dipinti con la geometria frattale modula liberamente lo spazio di luce,
portando i ritmi e le forme le dimensioni come casualmente disposti…
Gli oggetti dell'immagine visiva, diventano segni, concetti spirituali, e hanno un
significato poeticamente simbolico, qualcosa da comunicare e da raccontare….
Maria Grazia Todaro Art Director e Critico 20-09-2018'
QUANDO:dal martedì al sabato dalle ore 16.30 alle 19.30 fino al 24 Gennaio
2019
ENGLISH
Queenartstudio Gallery awaits you on January 12, 2019 at 18.00 in
Riviera Tito Livio 75 in Padua for the inauguration of the Personal Exposition of some Works of Uma Aslam
'With her colour and official language, which make her force to reach balance, Uma
Aslam reconciles emotion and reason in a coloured palette with a beautiful brilliance.
By looking for and by discovering, she moves the figurative into the abstract and vice
versa, she looks for borders and then she denies them.
Uma wants to share this lofty experience with us. To look and to absorb her art give
us feeling to be all right.
Her pictures here exposed, are not reality’s imitations. They represent a world in
itself just like a visual recording of interaction between chance and control.
Therefore, that “ one thing” that suggests the next thing, the further one and so on
up to reach a sort of internal expressive logics.
Her art wonders us and determines our point in space. Then there are emotion and
desire which automatically turn into need of seeing beyond.
Uma has pursued with an artistic and mathematics wisdom forms both kind and strongly
shaped which soak of meditations her pictures.
For her rules tailored for light and her respect for colour, the Artist has an
important role in pictures’ composition and care which really inspire.
Uma’s pictures kindly call their spectators.
It is about whispered abstractions , sometimes without any description but they
attract to see how elegant syllables in poetries painted with sensitivity.
She does not try to shock or to glamour with refined movements, nor to deceive with
flowers fascination. Varnish reaches her canvas as a thick fog of colours to play at the perky air.
An eventual inaccuracy of borders teases incertitude, but breathing colours which seem
to be stained again reward our attention again and again.
Her work describes wide horizons, great skies, bodies of water and land forms. She
collects an infinite range of inspired scenes and release s them on her canvas in simple and subtle renderings which rapidly freeze as time passes and leave a pictorial recording of a poetic
process.
Her scenes are horizons without any place where spectator can psychologically go
beyond. With fluid lines and colours which slowly changes, she evokes meditative sighs. Her way of being natural is soft and sophisticated. She hence summarises notions of colour in reality. She
suggests optimism through capturing what is beautiful in nature.
With light and shadow she deepens and transmits feeling of
three-dimensionality.
In some of her pictures, with fractal geometry she freely shakes space for light, by
bringing to rythms and forms those dimensions as they had casually been provided…
Objects of visual image become signs, spiritual concepts, and have a poetically
symbolic meaning, something to comunicate and to tell…
Maria Grazia Todaro Art Director and Critic 20-09-2018'
WHEN: Tuesday to Saturday from 16.30 to 19.30 until 24 January
2019
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Luise Gandon
è un'Artista franco-austriaca e vive e lavora a Vienna, dove è nata e lavora ancora oggi.
Dopo la sua carriera di insegnante si è concentrata sul ritratto e sulla pittura del nudo.
Nel suo lavoro, tematizza l'essere umano e la relazione interpersonale in diverse situazioni.
Ha preso parte a numerosi seminari di nudo e ritratti in Austria e Germania per cinque anni, con i docenti Lucia Riccelli, Bogdan Pascu e Milan Markovic.
Come motivi, sceglie sia modelli viventi che fotografie e istantanee tratte da scene cinematografiche. È importante per lei creare ritratti espressivi, le espressioni facciali dei suoi protagonisti
indicano la loro condizione e le scene rappresentate.
Quindi le sue foto sembrano primi piani di un estratto del film, senza conoscere la trama.
Questo modo di presentare porta tensione nel suo lavoro, perché risveglia la curiosità di chi guarda.
Negli ultimi due anni ha esposto a Vienna, Burgenland, Kitzbühel, Berlino, Amburgo, Parigi, Aix-en-Provence, Londra e New York, e a Cannes e Padova con QuenArtStudio Gallery.
Lucia RICCELLI, Bogdan PASCU e Milan MARKOVIC hanno apprezzato e recensito i suoi lavori.
L'Inaugurazione è prevista per Sabato 17 Novembre ore 18
Ingresso libero con Aperitivo Artistico
La mostra sarà visitabile tutti i giorni dalle 16.30 alle 17.30 chiuso domenica e lunedì
QueenArtStudio Gallery
Centro Espositivo di Arte Internazionale
Riviera Tito Livio angolo via Gualchiere 75 Padova
www.queenartstudio.it
queenartstudiopadova@gmail.com
tel +39 3346447738
NU-INCANTAMENTI ALCHEMICI
Esposizione delle Opere di PATRIZIA CONDINI
Dal 26
Ottobre al 9 Novembre 2018
Inaugurazione 26 Ottobre ore 18 con Aperitivo Artistico
Queenartstudio
Gallery Riviera Tito Livio 75 -Padova
www.queenartstudio.it
queenartstudiopadova@gmail.com
Patrizia Condini nei suoi dipinti coglie le molteplici sensazioni della sua anima
.
Ispirata da momenti che si sono "bloccati" nella sua memoria, l'Artista crea Opere emozionanti usando palette di colori
accattivanti e audaci.
Ogni pittura mostra il profondo fascino per la libertà : un concetto che associa fortemente con il suo interesse per i "processi
complessi che avvengono sia all'esterno che all'interno" di ogni essere umano.
Oltre ad esplorare cosa vuol dire essere un individuo libero, Patrizia usa anche i suoi dipinti di grandi dimensioni come sbocco
per la propria auto-espressione: "La mia arte riflette il mondo che percepisco con tutti i miei sensi", spiega. "Le persone che incontro e amo; la natura che ammiro; e tutte le cose che influenzano
il modo in cui sono. "
Ha sempre saputo che vuole creare. Quando era una bambina era affascinata dall'arte ampiamente definita. Ha sognato di creare, non
distruggere. Non ha scelto la pittura. La pittura stava scegliendo lei.
Dipinge con tutto ciò che gli cade nelle mani, a volte con un pezzo di cartone, a volte con delle fotografie. Dipinge per lo più
con le mani appunto ,e nasconde pensieri intimi, lettere, parole frasi tra i colori prepotenti e passionali.
Lo stile del suo dipinto è difficile da specificare. Ma penso che lo stile di Patrizia non abbia un nome, nessun confine. Ha una
sua espressione o carattere, come ogni stile.
Su ogni tocco di tela, la vernice lascia una scia. La traccia dipende dalla pressione sulla vernice, dall'angolo di inclinazione,
dalla densità, dalla quantità utilizzata e soprattutto dall’intensità del suo sentimento in quel preciso momento.
L'uomo guarda costantemente il tempo. Guarda l'orologio, vive di ora in ora. E questo la spaventa.. Ecco perché cerca di catturare
il tempo nei suoi dipinti.
Dipingendo velocemente, corre contro il tempo. Una sfida surreale.
Ferma il tempo, un frammento di secondo e, fermando il tempo nella sua immaginazione si sente totalmente libera, come se fosse
immersa nell'Oceano.
E questa sensazione la dipinge sulla tela dove lascia pezzi di sé .
‘NU’ (intercalare ebraico che ritroviamo in due sue Opere) la spinge ad andare avanti , oltre ….
Definire la sua Arte alchemica, significa definire la sua arte operativa, fatta di conoscenza e teorie filosofiche: una sorta di
microcosmo all’interno del quale agisce quasi fosse la legittima seguace dei processi naturali di trasformazione, usando un linguaggio costituito da codici, alfabeti segreti, segni criptografici, ma
anche da figure antropomorfe , che ci restituiscono una visione dell’Arte e dell’Artista come emulo di Dio.
Dieci delle sue Opere sono dedicate infatti alla Sefirot Ebraica
Le Sefirot corrispondono ad importanti concetti metafisici ,sono dieci principi basilari, riconoscibili nella molteplicità
disordinata e complessa della vita umana, capaci di unificarla e darle senso e pienezza.
Inoltre, esse sono anche associate alle situazioni pratiche ed emotive attraversate da ognuno di noi, nella vita
quotidiana.
Nell’Arte di Patrizia Condini c’è quindi questo grande riferimento legato alla sua passione per la cultura ebraica ,di cui la
Kabbalah è una delle espressioni più note ed allo stesso tempo più sconosciute.
Quello del misticismo ebraico è un mondo molto complicato. Gli studi fatti in questo senso le hanno permesso di avventurarsi alla
scoperta dell’albero della vita e della Sefirot : i dieci principi vitali che costituiscono una sorta di cosmogonia del mondo divino.
Allo stesso tempo è, però, anche un viaggio nella psicologia umana, in quanto ognuna di queste Sefirot rappresentano un
atteggiamento dell’uomo.
Riceve delle suggestioni da tutta questa tradizione e la traduce in arte attraverso delle creazioni
originali.
Ogni Opera è dunque ispirata ai vari sentimenti e ai vari aspetti della Kabbalah.
Ad esempio la prima Opera “Keter”, che vuol dire corona ma anche testa, si trova in cima all’Albero, è la sfera più celestiale e
rappresenta il principio di tutte le cose.
Per quest’Opera Patrizia ha scelto delle tonalità quasi siderali. Vi sono poi due tipi diversi di conoscenza intellettuale,
corrispondenti alla percezione separata dei due emisferi cerebrali: la prima più artistica e intuitiva, la seconda più logica e razionale .
Per queste due Opere Patrizia ha scelto una linearità orizzontale e vivace. Dopo le prime tre Sefirot , vi sono i sei stati
emotivi della psiche, tre più intimi (i rossi accesi e gli arancioni intensi)e tre più rivelati, più vicini all'esperienza fisica. Tutti e sei sono generati dall'opposizione fondamentale tra Chesed
(Amore) e Ghevurà (Forza), comprensibili anche come attrazione e repulsione. L’ultima Opera, “Malkut” vuol dire terra o piedi è la Sfera più lontana dalla divinità lineare, rivolta soprattutto alle
contingenze del mondo fisico e alle sue necessità. Per quest’Opera Patrizia ha scelto una trama più severa . Ha voluto dargli un ritmo verticale e, anche tecnicamente , si è ispirata alla forza del
numero.
Nel piano più spirituale le dieci Sefirot diventano le "Dieci Potenze dell'Anima", dieci luci o sorgenti d’energia, che aiutano
costantemente la crescita di coloro che sanno connettersi con esse, nel loro cammino di ritorno all'Albero della Vita ed ogni titolo di ogni Opera di Patrizia Condini corrisponde sia nel contenuto
che nell’espressione ad ognuna di loro. .
Maria Grazia Todaro Art Director e Critico QueenArtStudio Gallery
Ottobre 2018
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